Beatsteaks - Glory Box

Beatsteaks – Darf man diesen ewigen Überhit covern?!

Es ist ein Song, der das Wort Geschichte nicht besser beschreiben könnte. Denn während wir heute die Interpretation der Beatsteaks hören, hat Glory Box von Portishead bereits einen jahrzehntelangen Weg hinter sich, der bei dem britischen Duo nicht etwa aufhört, sondern bis in das Jahr 1969 zurückgeht. Stammt das Original des Songs von der belgischen Band Wallace Collection, war es in den BeNeLux-Staaten ein riesiger Erfolg. Doch obwohl der Song auf Englisch gesungen wurde, blieb ein Erfolg in den englischsprachigen Ländern weitestgehend aus. Ende der 80er Jahre nahm sich der Oscar- und Grammy-Award-Gewinner Isaac Hayes – der sich für den Theme-Song des Films Shaft verantwortlich zeichnet – die Melodieabfolge vor und veröffentlichte mit Ike’s Rap 2 eine Version des Songs, den wir bis heute kennen und lieben. Auf dem 1994er Debütalbum Dummy, des – aus Bristol in Großbritannien kommenden – Duos Portishead, befand sich ein Song, der für die Folgejahre richtungsweisend sein sollte. Denn mit Glory Box schaffte die Band nicht nur in Großbritannien ihren Durchbruch, sondern verbreitete den britischen Sound des Trip-Hops auch weltweit. Gleichzeitig hauchte die Frontsängerin Beth Gibbons dem Song eine Atmosphäre von Mystik, Distanz und Lethargie ein, wie wir es faszinierender nie wieder zu hören bekamen. 2001 stieß schließlich das, ebenfalls aus Großbritannien kommende, Duo I Monster auf die Liste der Interpretationen der Melodiefolge von Wallace Collection hinzu und veröffentlichte ihren Song Daydream In Blue.

Beatselfie Credit Beatsteaks
Beatselfie Credit Beatsteaks

Doch auch wenn es immer wieder Bands und Künstler gab, die diese ganz markante Melodie und das Gefühl des Songs versuchten zu kopieren, blieb Portisheads Version bis heute unerreicht. Nun haben die Beatsteaks aus Berlin die zweite Single aus ihrer, am 11. Dezember erscheinenden EP In The Presence Of herausgebracht und somit ihre Version des Portishead Songs veröffentlicht. Dabei zeigen die Beatsteaks, nach der Coverversion von Monotonie, erneut, wie hoch sie die Interpretinnen schätzen, deren Songs sie covern. Denn auch auf Glory Box behalten die Beatsteaks diese mystisch, bedrohliche Atmosphäre von Gibbons bei. Was der Band allerdings nicht gelingt und auch nicht gewollt zu sein scheint, ist die Fragiliät, die Gibbons auf Glory Box in ihre Stimme legt. Die Beatsteaks brechen behutsam aus dem lethargischen Korsett des Portishead-Songs aus und lassen mit überwältigenden Gitarrensoli und berstenden Drums eine Wand von Sound entstehen, ehe im nächsten Moment wieder alles in sich zusammenfällt und zum Gefühl des Bristoler Duos zurückkehrt. Sind mit Monotonie und Glory Box nun bereits zwei Songs der kommenden EP bekannt, halten die Beatsteak die vier noch ausstehenden Songs weiterhin streng geheim – umso größer wird die Überraschung mit jedem weiteren Release und dürfte vor der EP-Veröffentlichung bestimmt noch ein Song zur Vorabveröffentlichung drin sein.

NEØV - Burnt My Fingers

NEØV – Introvertierte Atmosphäre trifft auf finnische Kühle und britischen Indie

Mit ihrem dritten Album Volant hatten NEØV Anfang 2019 eine Platte veröffentlicht, die mit Songs, wie Elysion, an die großartige Zeit des Indierocks der 70er und 80er und frühen 2000er anknüpfte. Auch live konnte man sich im Berliner Club Monarch Anfang 2019 davon überzeugen, wie sich der weite Sound des Albums in Konzertform anhören sollte. Nun haben sich NEØV für ihr neues Album wieder ins Studio begeben und neun neue Songs für das kommende Album Picture Of A Good Life eingespielt. Während sich die erste Singleauskopplung Marathon noch deutlich abstrakter zeigte und durch ein opulentes Intro und langgezogen, hymnische Strophen und Refrains auszeichnete, geht die neue Single Burnt My Fingers wieder deutlich mehr nach vorne und besticht durch schnelle Gitarren, präsente Drums und einen hervorstechenden Gesang Anssi Neuvonens.

NEØV
NEØV

Somit setzt sich der Prozess des Öffnens der Band weiter fort und kommt von einem introvertierten Start, über das deutlich zugänglichere Album Volant nun zu einem neuen Höhepunkt. Produziert wurde Picture Of A Good Life dabei von Sebastian Muxfeldt, der bereits mit Elbow und Albert Hammond Jr. zusammenarbeitete. Burnt My Fingers ist die Indie-Hymne, die wir Anfang der 2000er hörten, als wir Liebeskummer hatten, Ärger mit unseren Eltern oder einfach dachten, uns gehöre die Welt und wir müssten diese erkunden. Musikalisch erinnert der Song ein wenig an The Cure und lebt dabei von der gleiche dunklen Energie eines Hits, wie Lullaby. Mit Picture Of A Good Life bringen NEØV am 15. Januar 2021 ihr viertes Studioalbum auf den Markt und begeistern erneut mit einer Mischung aus britischen Indierock, finnischer Kühle und einer introvertierten Atmosphäre, die einen der ganz großen Reize der Band ausmacht.

Kristofer Åström - Hard Times

Kristofer Åström – Der Wunsch eines unbeachteten Jungen nach Anerkennung

Es gibt Gesichter, die schaut man sich an und kann so unglaublich viel darin lesen. Doch nicht etwa durch ein extrovertiertes Auftreten oder die Falten, die von einem bewegten Leben sprechen. Hier sind es die Augen und die Mimik, die eine Geschichte erzählen, der man gerne und andächtig zuhört. Der Schwede Kristofer Åström hat so ein Gesicht – das vieles sagt. Dabei trifft es sich gut, dass auch seine Stimme eine unglaubliche Tiefe vermittelt. Mit einer Mischung aus dem epischen Gefühl einer Highschoolband, wie Lifehouse oder dem erwachsenen Timbre eines Fink vermischen sich bei Åström die Gefühle. Dabei schwebt immer eine Bedächtigkeit, sowie Erhabenheit mit in seiner Musik. Auf der aktuellen Single In The Daylight erzählt uns der Sänger von einem 16-jährigen Schuljungen, der nicht der angesagte Junge der Schule war, sondern vielmehr Abseits stand. Gleichzeitig aber den Wunsch hegte, von dem angesagtesten Mädchen wahrgenommen zu werden. So entsteht im Verlaufe des Songs ein Zwiegespräch über all die Eventualitäten, die eintreten könnten, wenn er sich nur trauen würde, dieses Mädchen anzusprechen. Gleichzeitig wächst die Angst, sich zu öffnen und angreifbar zu machen. In The Daylight erzählt von dem Moment, an dem ein zurückgezogener Junge auf dem Schulhof alleine am Zaun steht und auf das Mädchen guckt, dass umringt von all ihren Freundinnen und beobachtet von den coolen Jungs, den Moment genießt, während der Junge das Gefühl von Einsamkeit erfährt.

Kristofer Åström Photo by Ellika Henrikson
Kristofer Åström Photo by Ellika Henrikson

Dabei trifft Åström die Atmosphäre so gut mit seinem Klavier, der zurückhaltenden Gitarre und dem gleichmäßigen Drums, dass man auch ohne diese bildliche Vorstellung in einen Gemütszustand der Ruhe und des Überlegten kommt. Dann setzt der Gesang kurz aus und man hört dem wunderschönen wiederholenden Klavierspiel zu, welches gleichzeitig von einer gewissen Heiterkeit umgeben ist. In The Daylight ist die aktuellste Single aus Åströms neuen und zehnten Studioalbum Hard Times, welches am 6. November erscheinen wird. Und obwohl Åström selbst behauptet nicht nostalgisch zu sein oder zu sehr in der Vergangenheit zu leben, sehen andere Menschen in meinen Songs diese Art von Referenzen. Ich denke darüber nicht all zu viel nach. Ich bin einfach nur ein Songwriter, der seine Songs schreibt. Es kommt nicht von ungefähr, diese Assoziation aufzubauen, hört man sich Åströms Musik an. Auf Hard Times treffen wir auf eine Menge dieser Gefühle, die sich nicht abschütteln lassen und uns immer wieder in die Position des Betrachtenden bringen und Erinnerungen aufleben lassen. Mit In The Daylight zeigt uns der Schwede so sanft und warm, wie schön Erinnerungen sein können, die uns einst so sehr das Herz gebrochen haben aber heute für die intensivsten und emotionalsten Erinnerungen sorgen.

Middle Kids - R U 4 Me?

Middle Kids – Der Indiesound der Stunde

Bereits mit ihrer letztjährigen EP New Songs For Old Problems und dem darauf enthaltenen Song Real Thing haben die drei Australier von Middle Kids gezeigt, wie frisch sich Indie auch in dem zu Ende gehenden 2010er Jahrzehnt noch anhören kann. Nun kommen Hannah Joy, Tim Fritz und Harry Day mit einer neuen Single zurück und stecken uns mit einer satten Ladung Indierock an, den man so nur aus den frühen 2000ern aus Großbritannien kannte. Mit R U 4 Me? trumpft das Trio mit schnellen Gitarren, energievollen Drums und einem Refrain auf, der sich an die Hochzeit der Indiewelle um Franz Ferdinand, Arctic Monkeys, Orson oder Peter, Björn & John anlehnt. Dabei kam der Band die Idee zu dem neuen Song in der Universität, an dessem schwarzen Brett Joy den Schriftzug Sei schön, es ist nicht so schwer entdeckt hatte. So besingt die Band den Wunsch, sich in eine Community einzugliedern und Anerkennung zu erlangen. Gleichzeitig bedeutet es aber auch, dass wir uns womöglich anbiedern und uns selbst fremd werden.

Middle Kids
Middle Kids

Auf knapp 2:50 Minuten haben die Middle Kids eine Energie verarbeitet, die wie geschaffen für die Indietanzflächen rund um den Globus sind. Mit einem Sound bei dem man sich nicht mehr auf den Stühlen halten kann, senden uns die Australier eine klare Botschaft, was wir womöglich 2021 von ihnen erwarten dürfen. Ist es der Band aus Sydney aktuell nicht möglich irgendwelche Konzerte zu spielen und durch die Welt zu reisen, wird es am 22. Oktober ein Live-Streaming-Event geben, in dem die Band aus der ehemaligen Zug-Lackiererei Eveleigh Paint Shop im stillgelegten Teil des Sydneyer Bahnhofs Eveleigh ein Konzert gibt. Zu finden sind die Karten auf der Middle Kids Homepage und markiert den ersten und wohl einzigen Auftritt der Band in diesem Jahr. Mit R U 4 Me? haben Middle Kids den ersten neuen Song seit ihrer letzten EP aus dem Mai 2019 veröffentlicht und lassen die Herzen der Fans höher schlagen, die nun alle Hoffnung in ein neues Album setzen.

Sean Christopher - In Circles

Sean Christopher – Ein Regentropfen voller Emotionen

Der Song beginnt, als würden Regentropfen an die Scheibe prasseln. Einmal aufgekommen, bahnen sie sich ihren Weg, die Scheibe hinab, verbinden sich mit anderen Tropfen und werden dabei immer großer. Draußen schweigt die Stadt. Ob durch den grauen Tag und die zugigen Straßenschluchten oder durch die leere auf der anderen Seite der Scheibe. Der Niederländer Sean Christopher, der mittlerweile in Bristol, im Südwesten Englands, lebt, hat diesen Sommer ein Album veröffentlicht, das den emotionalen Wirbelsturm, mit seinem an die Fensterscheiben prasselnden Regen, durch den wir dieses Jahr alle gegangen sind, in Musik übersetzt hat. Hier bekommt die irritierende, manchmal vor Angst lähmende Verunsicherung einen Sound und erweist sich dennoch als warmes Fangnetz, vor der gefährlichen Strömung. Sean Christopher macht Folk, der die Emotionen genau trifft. Ob von der Pandemie beeinflusst oder nur zufällig aufeinandertreffend, hat der Wahlbrite mit Wander diesen Sommer sein zweites Album veröffentlicht. In Circles war dabei die letzte Singleauskopplung und trifft eine Stimmung, die von einer Unruhe geprägt ist, die gleichzeitig versucht, gebändigt zu werden.

Sean Christopher
Sean Christopher

Mit sanften Gitarren und Drums arbeitet sich der Song durch eine geheimnisvolle Stimmung, die Ruhe ausstrahlt und doch rastlos erscheint. Vom inneren Zwiespalt beinahe zerrissen erklingt Christophers sanfte Stimme und bewegt sich dabei singend so geschmeidig, als würde der Singer/Songwriter auf den Instrumenten surfen. Hört man sich Christophers 2018er Debütalbum Yonder an und vergleicht es mit dem neuen Album, fällt auf, dass sich der Sänger mehr wagt und vor lauterer Musik nicht mehr gänzlich zurückschreckt. Alles im Rahmen des reduzierten Einsatzes von Instrumenten hat sich der Sänger nicht ohne Grund auf einige, wenige Klangelemente konzentriert. Um den Songs auf Wander so, einen größeren Zusammenhang zu ermöglichen, arbeitet er nur mit einer Gitarre und seiner Stimme. Herausgekommen sind elf Songs die den Schmerz, die Liebe, die Einsamkeit, den Wunsch nach Aufbruch oder auch das Gefühl von fehlender Zugehörigkeit widerspiegeln und dabei unglaublich berührend und anmutig sind. Sean Christopher mach Musik für die introvertierten Momente, in denen wir in uns selbst reinhören und in Gedanken versinken wollen. Das Album Wander ist dafür eines der großartigsten des Jahres 2020.

GASHI feat. Sting - Mama

GASHI feat. Sting – Das Schicksal selbst bestimmen

Die bewegendsten Geschichten gibt es oftmals von den unscheinbarsten Menschen. Dabei ist der in New York lebende Musiker GASHI optisch alles andere als unscheinbar. Mit seiner kräftigen Statur und seinem modernen Sound lässt GASHI aktuell immer öfter von sich hören. War es im Frühjahr der Song Sicko von Felix Jaehn, bei dem GASHI als Featuring-Act beteiligt war, arbeitete der Musiker, Rapper und Songwriter in der Vergangenheit bereits mit Musikern, wie Travis Scott und Chris Brown zusammen. Nun kam vor wenigen Tagen sein neuestes Album 1984 raus. Dabei hat der Musiker nicht nur eine lebhafte Diskografie vorzuweisen – so hat er seit Beginn seiner Karriere bereits drei weitere Alben, sechs EPs und drei Mixtapes veröffentlicht. Doch auch sein eigenes Leben schreibt eine lebendige Geschichte. Geboren in Tripoli, Libyen ist er das Kind albanischer Eltern aus dem Kosovo, die in den 90er Jahren als Flüchtlinge in mehreren Flüchtlingsunterkünften in ganz Europa lebten. Schließlich führte ihr Weg sie nach Brooklyn in New York, von wo aus Labinot Gashi – so sein bürgerlicher Name – seit 2008 Musik macht.

GASHI - 1984

GASHI – 1984

Auf seinem neuesten Album 1984 – dessen Name an das Hochzeitsjahr seiner Eltern angelehnt ist – gibt sich GASHI vollends dem Sound der 80er Jahre hin. Seine neueste Single Mama zeigt nun eindrucksvoll, wie zeitlos die Musik der 80er Jahre sein kann. Denn zusammen mit der britischen Rocklegende Sting hat sich GASHI einen Traum erfüllt und eine Kollaboration mit seinem Idol aufgenommen. Mama lehnt sich dabei mit seinen großartigen Synthies und Drums an den aktuell aufkommenden Hype um den Sound der 80er Jahre an. Mit einem Mix aus Dance- und Hip-Hop-Elementen ist Mama nicht mehr länger nur eine Single von einem – vornehmlich im Rap agierenden – Musikers, sondern reiht sich in den aktuellen Trend der großartigen 80er-Jahre-Soundwelle ein, mit der The Weeknd mit seinem Blinding Lights so richtig durchgestartet ist. Mama hat mit Stings Stimme, GASHIS Gesang einem eingängigen Refrain und einer clubtauglichen Produktion alles, was ein guter Song braucht und könnte sich so in den kommenden Wochen durchaus zu einem Hit mausern.

Alex The Astronaut - Lost

Alex The Astronaut – Es ist soweit!

Nach einer gefühlten Ewigkeit, in der wir uns Song um Song nach einem Debütalbum von der australischen Singer/Songwriterin Alex The Astronaut gesehnt haben, ist nun endlich die Ankündigung erfolgt, dass mit The Theory Of Absolutely Nothing am 21. August das Debütalbum der sympathischen Sängerin erscheinen wird. In der Vergangenheit hatte sie bereits mit den beiden EPs See You Soon und To Whom It May Concern (beide 2017) und dem 2019er Livealbum The Space Tour Live (At Your Place) für einen ordentlichen Output gesorgt. Auf ihrem Konzert im Berliner Lido gab es dann auch eine wunderbare Performance, die so sehr zeigte, wie viel Herzblut die Sängerin in ihre Musik legt. So sind die Songs kompromisslos direkt und klingen fast, als würde die 25-Jährige einem gegenüber stehen. The Theory Of Absolutely Nothing wird dabei nicht nur neue Songs beinhalten, sondern auch als Wiedersehen alter Bekannter dienen. Denn hier werden die Songs Happy SongI Like To DanceSplit The Sky und I Think You’re Great enthalten sein und somit die Vorfreude auf eine gesammelte Kollektion dieser Tracks steigern. Mit Lost ist dabei nun die erste offizielle Leadsingle des Albums veröffentlicht worden und zeigt wieder einmal, was wir alle so sehr an Alexandra Lynn lieben. Mit ihren direkten Texten zeigt sie bei Lost, was sie umtreibt. Denn hier singt Alex The Astronaut davon, einen Weg zu finden, um all die Probleme zu lösen, die man sieht und dabei feststellen muss, dass es schlicht nicht möglich ist, alles zum Guten zu wenden. Es geht darum, auch mal einen Schritt ins Ungewisse zu wagen, um sich selbst herauszufordern und den Drang nach Sicherheit auch einmal abzulegen. Dabei klingt Alex The Astronaut mit ihrer Gitarre und den eingängigen Drums nach einem Teenage-Song der 90er Jahre. Bis zum 21. August sind es noch mehr als drei Monate, in denen wir uns darauf vorbereiten können, womöglich sogar noch eine weitere Auskopplung zu hören, bevor wir alle final den ersten Longplayer des sympathischen Ausnahmetalents in den Händen halten können.

Helgen - Tschüss

Helgen – Wenn Tschüss sagen so viel mehr bedeutet

Es ist wohl eine der ungeschminktesten Arten Adieu zu sagen, den das Hamburger Trio Helgen – bestehend aus Sänger und Gitarrist Helge Schulz, Bassist Niklas Beck und Drummer Timon Schempp – auf ihrer aktuellen Single Tschüss gewählt haben. Hier setzen Helgen die volle Aufmerksamkeit auf die Worte. Mit einem ruhigen Hintergrundrauschen aus Drums und schwellenden Synthies erklingt die Stimme des Sängers Helge und singt er in vielen verschiedenen Arten vom verlassen werden, vom Abschied entgegennehmen oder davon selbst zu gehen. Mit den Aufzählungen Vielleicht trifft dich der Blitz, Vielleicht fällt Weltraummüll auf dein Haus, Vielleicht lehnst du dich zu weit aus dem Fenster raus antwortet er gleichwohl auf jedes Vielleicht mit: dann geht das Licht aus, Dein Fallschirm geht nicht auf oder  vom Wind ins Meer geweht. Nur, um abschließend mit den Worten Aber vorher, vorher ruf mich bitte nochmal an, damit ich dir Tschüss sagen kann. Auf Tschüss werden so viele Varianten des von uns Gehens genannt, dass man sich kreativ gar nicht immer bewusst ist, dies einen Abschied nennen zu können. In dem dazugehörigen Musikvideo sehen wir Eindrücke aus einer verwackelten Perspektive, die dem ganzen Song eine unfertige Atmosphäre verleihen. Dabei versteckt sich in den Bildern und Texten immer auch ein passendes Motiv, ist die zum Ende hin gezeigte Köhlbrandbrücke in Hamburg – welche die zweitlängste Straßenbrücke Deutschlands ist – doch weit über Hamburg hinaus als tragisch beliebtes Ziel für Selbstmörder – die sich hier in den Tod stürzen – bekannt. Hier endet Tschüss schließlich auch mit den Worten Bitte Bitte ruf mich vorher jemand an. Bitte Bitte ruf mich vorher nochmal an, damit ich Tschüss sagen kann. Damit wechselt Tschüss die Perspektive hin zum Erzähler und macht klar, dass es nicht nur auf der einen Seite Zweifel gibt. Helgen haben sich mit Tschüss dafür entschieden, ein Gefühl zu vertonen, welches Trauer, Resignation, Verzweiflung und einer Leere entspringt und auf ganz verschiedenen Ebenen und Gewichtungen immer auch gravierend enden kann. Tschüss berührt auf seine ganz eigene Art und Weise und trifft uns nicht direkt ins Herz, sondern nimmt den Umweg über die Bilder im Kopf und lässt damit eine stetig wachsende Beklemmung zu. Mit dieser geballten Emotion erarbeiten sich Helgen eine enorme Anerkennung und lassen auf ein vielschichtiges neues Album hoffen, das Die Bredouille heißen und am 7. August erscheinen wird.

Florence + The Machine – In Gedanken tanzend mit allen Zusammen

Es wird den Moment geben, an dem wir alle wieder zusammenkommen und zu den Songs tanzen könne, die wir alle so lieben. Dass dieser Wunsch momentan einer der größten, von so vielen Musikerinnen und Musikern ist, zeigt nicht zuletzt auch die Veröffentlichungspolitik. Während nicht wenige Musiker ihre Albumveröffentlichungen von April und Mai auf den Herbst verschieben, veröffentlichen sie und andere Künstlerinnen und Künstler Singles, die sich zunehmend mit der aktuellen Situation auseinandersetzen. Habe ich erst gestern einen Song von Angels & Airwaves vorgestellt, bei dem alle Einnahmen an die US-Amerikanische Version der Deutschen Arche gehen, folgt heute mit der neuen Single von Florence + The Machine eine weitere Veröffentlichung, die ihre gesamten Einnahmen an eine Hilfsorganisation spendet. Bei Florence + The Machine handelt es sich um den Song Light Of Love der im Zuge der Arbeiten an ihrem letzten Album High As Hope entstand, es aber nie auf das Album schaffte. Nun ist der perfekte Zeitpunkt, um ihn zu veröffentlichen, wie Florence Welch über ihre sozialen Netzwerke mitteilt und spendet die gesamten Einnahmen an die Intensive Care Society, die sich um die Unterstützung des medizinischen Personals in Großbritannien kümmert. Mit Light Of Love veröffentlichen Florence + The Machine damit eine wunderschön, reduzierte Pianoballade, die sich im Verlauf immer weiter aufbaut und zu einem regelrechten Erwachen der verschiedensten Gefühle führt. Mit einsetzen der Drums zieht schließlich auch die Geschwindigkeit des Songs an und lässt ihn an Intensität wachsen. Nur, um im zweiten Teil des Songs in eine opulente Bombastballade aufzugehen und in gewohnter Florence + The Machine Manier an die ganz großen Gefühle zu appellieren. Florence + The Machines Musik ist jedes Mal aufs Neue die Entdeckung eines kleinen Schatzes, der sich schließlich gekonnt und für Wochen bei uns festsetzt.

Nena - Licht

Nena – Die Neuerfindung perfektioniert

Da steh sie nun, die große Zahl 60. An diesem Dienstag wird eine der erfolgreichsten deutschen Sängerinnen 60 Jahre alt. Mit 99 Luftballons erreichte Nena 1983 international die Chartspitzen und ging die Single knapp 3 Millionen über den Ladentisch. Doch nicht nur mit 99 Luftballons war die Sängerin erfolgreich – so zählte sie in den 80er Jahren weitere Top-5 Hits wie Nur Geträumt, Irgendwie, Irgendwo, Irgendwann, ? (Fragezeichen) und Leuchtturm zu den ganz großen Hits. Während sich ihr Erfolg in den 90er Jahren abkühlte, gab es ein zunehmendes Interesse anderer Künstler, ihre Songs zu covern. Allen voran machte Jan Delay mit seiner 1999er Version von Irgendwie, Irgendwo, Irgendwann Schlagzeilen und schaffte es sogar, das Original sowohl von der Chartplatzierung, als auch von den Verkaufszahlen deutlich zu übertreffen. Denn kam das Original 1984 bis auf Platz 3, schaffte es Delay bis auf Platz 2 und verkaufte mehr als 500.000 Singles. Davon beflügelt, arbeitete Nena Anfang der 2000er an einem Best-Of Album der besonderen Art. Hier veröffentlichte sie mit Nena feat. Nena 2002 ihre größten Songs nochmal – allerdings in einem neuen Gewandt und mit musikalischer Unterstützung von Joachim Witt, Kim Wilde oder Udo Lindenberg. Mit über 1,5 Millionen verkauften Alben zählt es zu den meistverkauften Alben der Sängerin und markierte ihre Rückkehr auf die ganz großen Bühnen des Musikbusiness. Seitdem ist sie aus den oberen Rängen der Charts nicht mehr wegzudenken und erreichte 2005 mit Liebe Ist sogar wieder Platz 1 der deutschen Singlecharts. Trotz der mittlerweile 30 Studioalben, 47 Singleveröffentlichungen und 60 Jahren pfeift Nena auf das Alter und veröffentlicht an ihrem runden Geburtstag mit Licht einen neuen Song, über den es momentan noch nicht all zu viel Informationen gibt. Was allerdings sofort auffällt – der große 80er-Jahre Vibe, den Licht versprüht. Gepaart mit modernen Drums und einem großartigen Soundkostüm, tritt Licht ohne Umschweife in die Fußstapfen des momentan äußerst erfolgreichen Songs Blinding Lights von The Weeknd. Warum gerade Blinding Lights?! Beide nutzen die Synthies der 80er Jahre, haben ein sportliches Tempo, beinhalten melancholische Parts und Textzeilen und bauen auf einem Nostalgiegefühl auf, das momentan äußerst gefragt ist. Natürlich unterscheiden sich beide Künstler deutlich voneinander, doch macht Nena mit Licht so ziemlich alles richtig und erfindet sich einmal mehr neu. Ob mit dem Hashtag #gehtumalles womöglich der Albumtitel ihres neuen Studioalbums gemeint sein könnte, oder er sich einfach aus den Textzeilen zu Licht ergibt, kann nur vermutet werden. Licht ist eine der Überraschungen 2020 und lässt uns mit hochgerissenen Armen durch die Zeit der sozialen Distanz tanzen.