Tia Gostelow - Always

Tia Gostelow – Zwischen Aborigines und der Großstadt

Das bekommt man in Europa auch nicht oft geboten, die Musik einer Künstlerin aus den indigenen Völkern Australiens – den Aborigines – vorzustellen. Dabei ist unser Bild in Europa vielleicht nicht das aktuellste. Immerhin leben mittlerweile Dreiviertel der knapp 500.000 Aborigines ein modernes Leben in Großstädten, wie die restlichen Einwohner Australiens. Davon können wir uns bei Tia Gostelow überzeugen lassen. Denn am Freitag kommt ihr zweites Album Chrysalis auf den Markt und begeistert mit einem modernen Elektropop, der sich etwas verträumt und fast schon am Dreampop orientierend präsentiert. Die aktuelle Single Always zeigt dies eindrucksvoll. Hier klingt nichts zurückhaltend und singt die gerade einmal 21-jährige Sängerin frisch und selbstbewusst, was sie in den letzten zwei Jahren erlebt hat. Dabei spielt auch die Melancholie eine große Rolle in Gostelows neuem Album. Denn während sie den Hype um ihr 2018er Debütalbum Thick Skin fernab ihrer Eltern erlebte und seit nunmehr zwei Jahren in Brisbane lebt, hat sie nach wie vor stark damit zu kämpfen, mit der fehlenden familiären Nähe klarzukommen. So zeugt das neue Album auch von dieser Distanz und den einsamen Momenten der Musikerin in der großen Stadt.

Tia Gostelow @Jeff Andersen Jnr.
Tia Gostelow @Jeff Andersen Jnr.

Gostelows Sound klingt nicht neu und doch kann man sie nicht so recht einordnen. Mit großen Synthiebetten, vielen Soundspielereien und der fluoreszierenden Stimme Gostelows hat die Australierin ein Album produziert, welches sich an den dunklen Abenden orientiert, die beleuchtet und von strahlenden Blitzen durchzogen werden möchten. Mit Always bekommen wir einen weiteren Vorgeschmack auf diese farbenfrohe Musik. Sind die Songs des Albums vom Holy Holy-Gitarristen Oscar Dawson geprägt, singt auf Always sogar Holy Holy-Frontmann Timothy Carroll mit. Sowohl bei den Radiostationen, als auch den Musikblogs weltweit steht Tia Gostelow ganz oben auf den Listen der Artists to watch. Völlig zu Recht – wie wir ab Freitag auf Albumlänge hören können. Tia Gostelow ist aufregend, frisch und hat einen großartigen Sound im Gepäck, bei dem es Spaß macht, ihn zu entdecken.

Jono McCleery - Call Me

Jono McCleery – Ein Fels in der Brandung

Seine Songs bilden das Fundament für ein losgelöstes Wesen. Wurde der 37-jährige Singer/Songwriter Jono McCleery in London geboren, ist er zwar Teil der dortigen Musikszene, doch erzählt sein Schaffen eine Sprache, die vielmehr mit der rauen Landschaft der südenglischen Ländereien verbunden ist, als es die Millionenmetropole kann. In der Londoner Musikszene aufgewachsen, ist der introvertierte Musiker als Teil des dortigen Projektes One Taste Collective immer weiter in den Vordergrund gerückt. Hier hat McCleery dafür gesorgt, dass er londonweit zum Namen wurde. Unterstützt das Projekt One Taste Collective Bands bei ihren ersten Schritten, verhalf es unter Anderem Little Dragon und Jamie Woon zum Durchbruch. McCleery hat dabei in den vergangenen Jahren die Alben Darkest Light (2008), There Is (2011), Pagodes (2015) und Seeds Of A Dandelion (2018) veröffentlicht. Mit Here I Am And There Are You kommt am 20. November McCleerys fünftes Album auf den Markt und konzentriert sich wieder auf die warmen Sounds des Musikers. Mit der nun veröffentlichten Single Call Me zeigt der Brite, wie es sich anfühlt, getrennt zu sein. Dabei steht nicht im Vordergrund, ob durch eine räumliche Distanz getrennt, oder durch eine endende Beziehung. Vielmehr packt uns McCleery mit seiner unglaublich warmen Stimme und reisst uns mit, auf eine Tour durch den schönen Schmerz der Einsamkeit.

Jono McCleery
Jono McCleery

Dass dieser Schmerz nicht immer negativ sein muss und durchaus produktive und euphorische Momente hervorbringen kann, sehen wir im dazugehörigen Musikvideo. Hier sehen wir einen Mann, der sich, bedingt durch die Einsamkeit, in eine Welt flüchtet, in der er mit einer imaginären Freundin all die mitreissenden Momente erlebt, die er so vermisst. Dabei wirkt die Szenerie manchmal abstrakt, manchmal überzeichnet und wiederum einige Male einfach nur tief verbunden. Call Me begleitet die Bilder dabei mit einem sanften Gitarren- und Schlagzeugspiel, welches durch die kräftige Stimme McCleerys eine Wehmütigkeit entstehen lässt. War McCleery bereits mit Bonobo, Fink, Little Dragon und Jamie Woon zusammen auf Tour, sind seine Einflüsse vor allem durch die Musik von Fink und Bonobo geprägt. Das warme Timbre von Finian Paul Greenall – alias Fink – zusammen mit der introvertierten Weite von Bonobos treibenden Sound, lassen Jono McCleery in einem tiefen und berührenden Soundkostüm aufgehen, in das seine Stimme wie maßgeschneidert passt. Call Me ist damit der musikalische Ruf des Herbstes geworden, uns einen warmen und geborgenen Augenblick zu verschaffen.

Emma McGrath - Mad About It

Emma McGrath – Hymnische Gefühle

Neue Künstler haben es mitunter schwer, sich bestens zu präsentieren. Das liegt nicht etwa an ihnen selbst, sondern oftmals daran, wieviel Budget die Plattenfirmen für die Promotion zur Verfügung stellen, die diese Künstler unter Vertrag nehmen. Da wird oftmals am Anfang zaghaft ein Song veröffentlicht und geschaut, wie die Resonanz ist. Ist sie gut, kommt das Musikvideo hinterher. Bei der britischen Sängerin Emma McGrath ist das nicht anders. Gesigned bei Warner Music hat die 21-jährige Sängerin bisher die beiden aufeinander aufbauenden EPs Silent Minds (2018) und Keep Your Eyes Open (Silent Minds Pt. 2) (2020) veröffentlicht worden. Davor hat McGrath 2014 in Eigenregie ihre Debüt-EP The Judgement rausgebracht. Auf allen EPs enthalten, sind energiegeladene Hymnen, die sich irgendwo zwischen Singer/Songwriting, Bombastpop und aufgeladenen Ballade bewegen. Mit ihrer neuesten Single Mad About It folgt sie diesem Mix und liefert erneut eine voluminöse Ballade ab, die im Refrain für einen hymnischen Stadionmoment in aller bester Manier sorgt. In leichter Melancholie schwelgend, ist Mad About It ein Aufruf an all die Nörgler des ewigen Beschwerens.

Emma McGrath
Emma McGrath

McGrath geht es im Song darum, selbst dafür verantwortlich zu sein, etwas an einer negativen Situation zu verändern und so sein Glück selber in der Hand zu haben. So erläutert sie den Song mit Mad About It’ handelt von Menschen, die sich ständig beschweren, aber nichts an ihrer Situation ändern. Menschen, die weder Hilfe akzeptieren, noch zugeben, wenn sie falsch liegen. Mit diesen Leuten dreht man sich ewig im Kreis, ohne am Ende zu einer Lösung zu gelangen. Aus dem Ort Harpenden, mit 30.000 Einwohnern und nördlich von London gelegen, kommend, hat sich die junge Sängerin in den vergangenen Monaten intensiv mit ihrer Musik auseinandergesetzt. Bereits mit dem Songwriter und Produzenten Jimmy Hogarth – der Songs für unter anderem Duffy, Paolo Nutini, Amy Winehouse, Tina Turner, Sia oder Dermot Kennedy produzierte – zusammengearbeitet, klingt ihr Sound groß, doch behält sich auch eine gewisse Intimität. Emma McGrath veröffentlicht mit Mad About It den ersten Song von ihrer kommenden EP, für die bisher noch kein Name und Veröffentlichungstermin feststeht. Mad About It gibt uns aber einen starken Vorgeschmack auf das, was wir erwarten können.

Simen Mitlid - Birds; or, Stories from Charlie B’s Travels, From Grønland to the Sun, and back again

Simen Mitlid – Leiser Folk

Von kaum greifbaren Songs, über verstörend schöne Autotune-Balladen, bis hin zu ganz leisen Folkschätzen gibt es auf dem neuen Album des norwegischen Singer/Songwriters Simen Mitlid ganz viel von seinem wunderbaren Dreampop-, Indie- und Folk-Sound zu hören. Die aktuelle Single Grateful Dead ist dabei nur der neueste Beweis für diese introvertierte Version eines Rockstars. Hier klingt alles danach, dass sich ein großer Künstler so zurückhaltend und klein verkauft, dass man für einen kurzen Moment argwöhnisch aufschauen möchte – doch gleich im nächsten Atemzug wieder von der weichen Stimme Mitlids zurückgeholt wird und sich im wabernden Sound verliert. Mal klingt er auf seinem nunmehr dritten Studioalbum Birds; or, Stories from Charlie B’s Travels, From Grønland to the Sun, and back again nach José González (Bird), mal fühlt man sich an Kanye Wests beginnende Autotune-Phase erinnert (While Heaven Is on Fire) und wiederum ein anderes Mal, wie bei der aktuellen Single Grateful Dead an eine langsame Version der Songs vom Shout Out Louds Album Work.

Simen Mitlid
Simen Mitlid

Mitlid selbst sagt über das Album, dass der Titel eine Anspielung auf Abenteuerromane ist. Die Rahmenhandlung ist also in etwa, dass ich in Oslo herumlaufe – und beobachte. Aus diesen Beobachtungen wurden mehrere kleine Geschichten über die verschiedenen Reisen, die Vögel, die Astronauten, die Archäologen (die auch herauszufinden versuchen, warum Menschen gereist sind), die Auswanderer aus Grönland (sowohl aus dem Land als auch aus dem Viertel in Oslo, wo ich mein Aufnahmestudio habe), die Charlie B (eine erfundene Figur, welche die ultimative Reise von Grönland zur Sonne unternimmt), die meine Familie, die mein Verstand, meinen Körper und die Erde (wenn sie sich um die Sonne dreht) während ihres Lebens unternehmen. Man kann sich diese einzelnen Geschichten bildlich vorstellen, hört man sich die einzelnen Songs an. Auf Bird wird diese Geschichte so greifbar, dass wir für einen kurzen Moment von der Baumkrone auf den regen Trubel der Straßen schauen. Mitlid hat mit seinem Album Birds; or, Stories from Charlie B’s Travels, From Grønland to the Sun, and back again, das am 30. Oktober erscheinen wird, eine naturnahe Soundkulisse für die Introspektive geschaffen und nebenbei wohl einen der längsten Albumtitel seit Chumbawambas The Boy Bands Have Won… (2008) veröffentlicht. Hier könnt Ihr schon jetzt in zwei seiner bisher veröffentlichten Songs aus dem neuen Album reinhören.

Kristofer Åström - Hard Times

Kristofer Åström – Der Wunsch eines unbeachteten Jungen nach Anerkennung

Es gibt Gesichter, die schaut man sich an und kann so unglaublich viel darin lesen. Doch nicht etwa durch ein extrovertiertes Auftreten oder die Falten, die von einem bewegten Leben sprechen. Hier sind es die Augen und die Mimik, die eine Geschichte erzählen, der man gerne und andächtig zuhört. Der Schwede Kristofer Åström hat so ein Gesicht – das vieles sagt. Dabei trifft es sich gut, dass auch seine Stimme eine unglaubliche Tiefe vermittelt. Mit einer Mischung aus dem epischen Gefühl einer Highschoolband, wie Lifehouse oder dem erwachsenen Timbre eines Fink vermischen sich bei Åström die Gefühle. Dabei schwebt immer eine Bedächtigkeit, sowie Erhabenheit mit in seiner Musik. Auf der aktuellen Single In The Daylight erzählt uns der Sänger von einem 16-jährigen Schuljungen, der nicht der angesagte Junge der Schule war, sondern vielmehr Abseits stand. Gleichzeitig aber den Wunsch hegte, von dem angesagtesten Mädchen wahrgenommen zu werden. So entsteht im Verlaufe des Songs ein Zwiegespräch über all die Eventualitäten, die eintreten könnten, wenn er sich nur trauen würde, dieses Mädchen anzusprechen. Gleichzeitig wächst die Angst, sich zu öffnen und angreifbar zu machen. In The Daylight erzählt von dem Moment, an dem ein zurückgezogener Junge auf dem Schulhof alleine am Zaun steht und auf das Mädchen guckt, dass umringt von all ihren Freundinnen und beobachtet von den coolen Jungs, den Moment genießt, während der Junge das Gefühl von Einsamkeit erfährt.

Kristofer Åström Photo by Ellika Henrikson
Kristofer Åström Photo by Ellika Henrikson

Dabei trifft Åström die Atmosphäre so gut mit seinem Klavier, der zurückhaltenden Gitarre und dem gleichmäßigen Drums, dass man auch ohne diese bildliche Vorstellung in einen Gemütszustand der Ruhe und des Überlegten kommt. Dann setzt der Gesang kurz aus und man hört dem wunderschönen wiederholenden Klavierspiel zu, welches gleichzeitig von einer gewissen Heiterkeit umgeben ist. In The Daylight ist die aktuellste Single aus Åströms neuen und zehnten Studioalbum Hard Times, welches am 6. November erscheinen wird. Und obwohl Åström selbst behauptet nicht nostalgisch zu sein oder zu sehr in der Vergangenheit zu leben, sehen andere Menschen in meinen Songs diese Art von Referenzen. Ich denke darüber nicht all zu viel nach. Ich bin einfach nur ein Songwriter, der seine Songs schreibt. Es kommt nicht von ungefähr, diese Assoziation aufzubauen, hört man sich Åströms Musik an. Auf Hard Times treffen wir auf eine Menge dieser Gefühle, die sich nicht abschütteln lassen und uns immer wieder in die Position des Betrachtenden bringen und Erinnerungen aufleben lassen. Mit In The Daylight zeigt uns der Schwede so sanft und warm, wie schön Erinnerungen sein können, die uns einst so sehr das Herz gebrochen haben aber heute für die intensivsten und emotionalsten Erinnerungen sorgen.

BRONSON feat. Gallant - Know Me (Cassian Remix)

BRONSON – Remix der Superlative

Bereits im Sommer war es der Song DAWN der für viel Aufmerksamkeit sorgte. Dabei war es eine doppelte Aufmerksamkeit. Zum einen war es der Sound selbst, der mit tiefen, dunklen Beats eine neue Soundkulisse erschuf, die sich klar an Housemusik-Clubs orientierte. Zum anderen waren es die Interpreten selbst, die für viel Gesprächsstoff sorgten. Hier war der umtriebige Produzent und Musiker Totally Enormous Extinct Dinosaurs enthalten und wurde durch das Trio von BRONSON perfekt in den sphärischen Sound integriert. BRONSON selbst besteht aus den beiden US-Produzenten von ODESZA – Harrison Mills und Clayton Knight – und dem Australier Thomas George Stell – alias Golden Features. Kam ihr schlicht BRONSON betiteltes Debütalbum Anfang August auf den Markt, arbeiteten sie nun an einer Remix-Version ausgewählter Songs ihres Albums. Darauf enthalten ist auch der Song Know Me, bei dem BRONSON mit dem US-Amerikanischen Sänger Gallant zusammengearbeitet haben. Ist Gallant eher im modernen R&B zu finden, wie auf Bourbon zu hören, hat er dennoch auch mit Künstlern aus dem elektronischen Bereich, wie bei Holding On mit SG Lewis und ZHU zusammengearbeitet. Hier ist es vor allem seine warme und klare Stimme, die auf einem elektronischen Soundbett stark zur Geltung kommt.

BRONSON - BRONSON Remixes N°.1
BRONSON – BRONSON Remixes N°.1

Auf Know Me verschwimmen die Beats dabei so organisch mit den Vocals von Gallant, dass wir uns in eine Art Trance versetzt fühlen. Nun haben BRONSON für das, am 16. Oktober veröffentlichte Remixalbum BRONSON Remixes N°.1 den australischen Produzenten Cassian mit ins Boot geholt, der dem Song Know Me nochmals einen deutlich tieferen und voluminöseren Sound verpasst hat. Dabei hört man Cassians Sound fast schon als Signature-Sound deutlich heraus – kennt man diesen doch bereits vom RÜFÜS DU SOL-Debütalbum Atlas, an dem er mitproduziert hat. Mittlerweile lebt Cassian Stewart-Kasimba in Los Angeles und ist eines der ersten Signings auf RÜFÜS DU SOLs eigenem Plattenlabel Rose Avenue. Auf Know Me vereinen sich die Produzenten von ODESZA mit Golden Feature, holen sich als Gastsänger Gallant dazu und lassen das ganze nochmals von Cassian remixen. Eine höhere Dichte an renommierten DJs, Produzenten und Musiker bekommt man nur sehr selten zu sehen und so beflügelt es auch den Song, der mit seinen dunklen und tiefen Housebeats vollends überzeugt.

Bosse - Der Letzte Tanz

Bosse – Wann war Dein letzter Tanz?!

Der Sympathiebolzen schlechthin ist zurück! Bosse hat mit Der letzte Tanz eine neue Single veröffentlicht und zeigt uns einmal mehr, warum wir den sympathischen Musiker so lieben. Bosse spricht nicht lange um den heissen Brei herum und folgt seinem Gefühl. Die damit verbundene Direktheit erreicht die Fans einmal mehr und lässt die Hoffnung auf ein baldiges Wiedersehen mit dem Sänger nicht abreissen. Nun fordert Bosse uns in seinem neuen Song auf, so zu tanzen, als wäre es der letzter Tanz. Dabei treffen die Zeilen auf verschiedenen Ebenen. Sicherlich – die offenbarste Situation beschreibt das Ende einer Beziehung. Doch im Jahr 2020 trifft uns der Satz tanz, als wäre es der letzte Tanz gerade auch deshalb, weil wir eben nicht, wie sonst, auf Konzerten, Festivals oder im Club zu unserer Lieblingsmusik tanzen können. Doch was Axel Bosse zum Ausdruck bringen möchte ist vielmehr der Moment, an dem man sich noch nicht ganz bewusst ist, dass man etwas zum letzten Mal tut oder wiederum so verfährt, sich sogar im Klaren zu sein, diesen bewussten Schritt zu gehen.

Bosse
Bosse

So kennen einige bestimmt den Moment, eine schwitzige Clubnacht gehabt zu haben und zu wissen, dass der Club nach dieser Nacht für immer schließt. Das wäre hier allerdings die entfernteste Interpretation des Songs. Vielmehr geht es Bosse aber wohl um die Beziehung zwischen zwei Menschen, die sich verabschieden. Ob es eine Trennung oder der Wegzug ist. Die so frei gewordenen Emotionen zelebriert Bosse in Der letzte Tanz einmal mehr so wunderbar euphorisch, dass aus der eigentlichen Trauer ein hymnisch, ekstatischer Song wird. Hatte Bosse 2018 mit Alles Ist Jetzt sein letztes Studioalbum veröffentlicht, folgten letzten Jahr mit Kein Geld Der Welt (zusammen mit Chefboss) und Ich Warte Auf Dich (mit Capital Bra und Prinz Pi) zwei Singles ausserhalb der Reihe. Nun könnte Der Letzte Tanz darauf hindeuten, dass von Bosse womöglich eine neue Platte in Arbeit ist. Während wir auf diese Ankündigung noch warten müssen, tanzen wir einfach den letzten Tanz immer und immer wieder.

Kevin Morby - Sundowner

Kevin Morby – Auf den Spuren von Into The Wild

Es klingt alles so laid-back, was wir auf Kevin Morbys neuer Platte Sundowner zu hören bekommen. Da kommt das Gefühl auf, mit Emile Hirsch zusammen vor dem Bus aus dem Film Into The Wild zu sitzen und das ruhige Panorama der vor einem liegenden Steppe zu beobachten. Bei einem knisternden Lagerfeuer – das auch tagsüber vor sich hin brennt, um über die kühlen Tage zu kommen – gibt uns der US-Amerikanische Musiker, der in Texas geboren wurde und zwischenzeitlich in New York City lebte, ehe er sich in Los Angeles niederließ und schließlich vor drei Jahren zurück nach Kansas City zog, einen Ausschnitt aus seinem Leben. Dabei spielt der Tod auch immer eine Rolle, hat Morby doch in der Vergangenheit gleich mehrere Weggefährten und Freunde verloren. Sundowner erzeugt hierbei eine wunderbar warme und akustische Stimmung, die sich am Rock und Folk des Mittleren Westens orientiert. An den Songs für das Album arbeitet Morby bereits seit knapp drei Jahren und somit länger, als für die meisten Songs seines fünften Studioalbums Oh My God, das letztes Jahr erschien.

Kevin Morby
Kevin Morby

Nun ist am vergangenen Freitag die komplette Platte erschienen und begeistert mit einem organisch, knisternden Sound. Es ist der typische Aussteiger-Sound, dem Morby hier eine besondere Atmosphäre verleiht. Dabei sind die Songs des Singer/Songwriters nahe am Vibe von Künstlern, wie Angus & Julia Stone, lassen sich viel Zeit und geben den einzelnen Songs viel Raum, um sich zu entfalten. Oftmals erinnert Morbys Stimme an alte Bekannte, auf dessen Namen wir einfach nicht kommen wollen, bleibt sich aber immer auch treu und verfolgt die Erzähllinie seiner Geschichten, die sich um die Orte drehen, an denen er gelebt hat. Mit einer Ode an den Mittleren Westen und seine Heimatstadt Kansas City, in der er aufwuchs, hört man der gesamten Platte eine verschrobene Melancholie an, die sich zwischen den Gefühlen von Sehnsucht und Heimkehr bewegen. Sundowner ist ein Album, das für den Herbst und die Momente, wenn man sich unter einer warme Decke verkriecht, gemacht ist und mit ganz viel Wärme zu überzeugen weiß.

Woodlock - Collateral

Woodlock – Wenn ein Stolpern den Weg frei macht

Sie klingt nach so vielen Emotionen – die neue EP Collateral des neuseeländisch/australischen Trios Woodlock. Bestehend aus den neuseeländischen Brüdern Zech und Eze Walters und dem Australier Bowen Purcell, hatte Zech in den vergangenen Jahren mit Zusammenbrüchen zu kämpfen, die ihm seinen Platz in der Welt in Frage stellen ließen. Mit dieser Herausforderung zu kämpfen hatte dadurch auch die ganze Band, die erst kurz zuvor mit ihren drei EPs Lemons (2013), Labour of Love (2014) und Sirens (2015) auch international vor dem Durchbruch standen. Doch entschied sich die Band, der Gesundheit Vorrang zu geben und nahm sich die Zeit, um Zech die volle Unterstützung zuzusagen. Nun sind sie nach vierjähriger Pause mit der EP Collateral zurück und reißen uns als Hörer in ein tiefes Loch der großen und tiefen Emotionen. Anders, als noch ihre letzte Veröffentlichung Something Broke That Day vor der Bandpause 2016 , klingen die sechs neuen Songs deutlich organischer und zurückhaltender und nehmen den Folk der Anfangsjahre wieder auf. Darauf behandelt jeder Song eine andere emotionale Geschichte.

Woodlock
Woodlock

Mit der Leadsingle Collateral greifen die Jungs ein enorm starkes Thema auf, das einen Einblick in die komplexen Gefühle von Zech gebt. Hier arbeitet sich die Band durch den zermürbenden Prozess eines Beziehungsendes. Hat man sich während der positiven Zeit geschworen, nie im Bösen auseinanderzugehen, werden plötzlich die Messer gewetzt und die umliegenden Personen aus der Familie und dem Freundeskreis mit hineingezogen. Der dadurch entstehende Hass und die Taten, die alle im Umfeld emotional verletzen, lassen nichts, als verbrannten Boden zurück. Welches Gefühl bleibt übrig, wenn man alle Energie darauf gesetzt hat, den anderen zu verletzten?! Hier setzt Collateral musikalisch ein äusserst hymnisches Ausrufezeichen. Normalerweise im Folk beheimatet, kommen in diesem Song die großen, euphorischen Sounds zum tragen. Es ist ein Song vom Erkennen der Situation und vom Wunsch, den Heilungsprozess zu beginnen. Mit voller Wucht reisst uns der Refrain plötzlich, vom Waldweg am Berghang auf die Bergspitze und gibt uns den Überblick zurück, den wir im dichten und dunklen Wald verloren zu haben schienen. Collateral ist dabei nur eines von insgesamt sechs Ausrufezeichen auf dieser so bedeutsamen EP. Auf ihr haben Woodlock die schwersten Momente in berührende, emotionale und aufwühlende Songs verwandelt und treffen dabei sofort ins Herz. Hier entsteht eine Gänsehaut, die von Betroffenheit genauso geprägt ist, wie sie ein erhabenes Gefühl umgibt – immer im Hinterkopf habend, wie schnell ein Zusammenbruch den Menschen mit sich reissen kann.

Danny Vera - The Weight

Danny Vera – Möchte nicht auf Ewig der Balladenjunge bleiben

Es ist eine spannende Zeit für den niederländischen Musiker Danny Vera. Noch Anfang des Jahres hatte er in seiner Heimat mit Roller Coaster für einen enormen Hit gesorgt. Völlig aus dem Nichts schaffte es Roller Coaster landesweit in die Radios und wurde zur erfolgreichsten Veröffentlichung des Sängers – und das in seinem 20. Jahr als Musiker. Fing er 1999 als Teil der Band Till Dawn an, Musik zu machen, veröffentlichte Vera 2003 mit For The Light In Your Eyes sein erstes Soloalbum. Mit dem, zu einem Doppelalbum zusammengefassten Alben Pressure Makes Diamonds 1 & 2 – The Year of the Snake & Pompadour Hippie – die einzeln sein elftes und zwölftes Album darstellten – hatte er 2018 und 2019 seine aktuellsten Alben veröffentlicht. Nun schwappt Roller Coaster – auch nach Deutschland über, findet hier erste Fans und landet in immer mehr Radioplaylisten der großen Stationen. Unterdessen veröffentlichte Vera gerade in seinem Heimatland mit The Weight eine brandneue Single, die zu seinem 13. Studioalbum The New Now gehören wird. Erscheint dieses Album in seinem Heimatland am 12. November, ist noch nicht ganz klar, ob es zeitgleich auch in Deutschland erhältlich sein wird – ist doch die Promotour zu Roller Coaster aus seinem letzten Album hierzulande gerade erst angelaufen.

Danny Vera
Danny Vera

Die neue Single ist dabei eine kleine Überraschung. Denn während Vera zumeist durch ruhige Songs, wie Balladen, bekannt geworden ist, ist der neue Song deutlich schneller. Mit einem großartigen Gitarrenspiel, weiten Klängen und einem fließenden Übergang zwischen den einzelnen Songblöcken ist The Weight eine Hymne für all diese Menschen, deren Leben sich als Roadtrip anfühlt. Rastlos und betäubt ist The Weight für den Moment der Einsamkeit und großen Gefühle in einem selbst geschrieben. Als Teil des neuen Albums geht es auf The Weight und auf The New Now darum, mit einem Wechselgefühl aus Sicherheit und großen emotionalen Momenten zu leben. So hat Vera zur Veröffentlichung des Songs folgendes gesagt: Es geht darum, dass man denkt Dinge gut verarbeitet zu haben und dann realisiert, dass es doch nicht der Fall ist. Der Tod meiner Eltern wird für mich immer heftig bleiben. Doch irgendwann denkt man: Ich bin darüber hinweggekommen und dann plötzlich trifft einen die Trauer doch wieder mit voller Wucht. Mit diesem Gefühl wird klar, warum The Weight an Geschwindigkeit zugenommen hat und passt plötzlich so perfekt auf den neuen Sound des Niederländers. Schließlich fügt Vera abschließend noch hinzu, dass sich sein Sound aber auch verändert musste, wenn er nicht ewig der Balladenjunge sein möchte. Es ist seine zurückhaltende Sympathie, die den Sänger so ausmacht. Gepaart mit den tiefen und bedeutungsstarken Songs, schafft es der Sänger sofort, Emotionen bei uns zu wecken. Mit diesen Merkmalen wird Vera auch in Deutschland recht bald zu den ganz Großen gehören.