HAEVN - Throw Me A Line

HAEVN – Aufbruch in eine neue Welt

2020 war für die Niederländer von HAEVN die Eroberung des deutschen Musikmarktes vorgesehen. Doch dann kam für das Amsterdamer Duo alles anders. Denn während ihre Konzerte für den September 2020 angesetzt waren, konnte Anfang des Jahres noch keiner davon ausgehen, dass auch sie es treffen würde, wenn die Gigs abgesagt werden müssen. Zuvor haben sie bereits mit mehreren voluminösen Singleauskopplungen, wie Bright Lights, Finding Out More, Fortitude oder Back In The Water brilliert. 2018 folgte schließlich mit Eyes Closed das Debütalbum. Für ein Duo, die mittlerweile nicht mehr nur aus dem Duo Marijn van der Meer (Singer/Songwriter) und Jorrit Kleijnen (Komponist) besteht, sondern mit Bram Doreleijers an der Gitarre, Mart Jeninga am Bass und David Broeders am Schlagzeug zu einer ganzen Band herangewachsen ist, hat sich der Sound weiterhin organisch und allumspannend entwickelt. Dabei ist vor allem die Herkunft von van der Meer und Kleijnen entscheidend, zeigt sich aus ihrer Arbeit für Film und Fernsehen doch, dass sie eine ganz besondere Soundästhetik besitzen. 2019 folgte schließlich mit Symphonic Tales eine orchestrale Version einiger ihrer Songs ihres Debütalbums, welche sie zusammen mit einem 50-köpfigen Orchester neu einspielten. Nun, nach zwei Jahren des Komponierens und neuer Texte Schreibens veröffentlichen HAEVN mit Throw Me A Line einen neuen Song, der gleichzeitig ihr bisher längstes Musikstück ist, dass sie je produziert haben.

HAEVN
HAEVN

Entstanden ist einmal mehr ein Sehnsuchtssong für das, was jedem Einzelnen von uns fehlt. Mit intensiven Geigen und dem sehnsüchtigen Gesang van der Meers ist ein so universeller Song entstanden, der sich auf macht, in eine neue Welt. So baut sich Throw Me A Line langsam auf und wird im Verlaufe der etwas mehr als fünf Minuten zu einer intensiven Reise durch die eigenen Baustellen im Leben. Mit einem imposanten Aufbruch, nach einem Moment der Ruhe, bei ungefähr der Hälfte des Songs, entsteht ein so warmes überwältigendes Gefühl der Freiheit, dass wir uns förmlich auf den höchsten Bergen der Welt stehen sehen und uns mit einem Schrei von all der Last befreien, die uns begleitet. HAEVN fügen zur Veröffentlichung des Songs hinzu, dass sie Throw Me A Line zu einem Zeitpunkt geschrieben hatten, als wir fasziniert von dem Dilemma des doppelten Wunsches nach dem Unbekannten, gleichzeitig aber auch nach der Konstanz und Sicherheit im Leben waren. Manchmal muss man etwas beenden, um das Ziel zu verfolgen. Jeder Mensch kennt dieses Gefühl. ‚Das Leben beginnt dort, wo deine Komfortzone aufhört‘. Aber was ist, wenn es zu viele Dinge gibt, die man dafür aufgeben müsste? Wieder und wieder schaffen es HAEVN mit ihrer Musik, in uns ein Verlangen nach Frieden, Freiheit und Vollkommenheit zu wecken und geben uns gleichzeitig in nur 5:15 Minuten all diese Attribute gleichwohl mit ihrem neuen Song verpackt wieder mit an die Hand.

Bosse - Das Paradies

Bosse – Singt vom Paradies und nimmt alle mit

Bereits im Oktober hatte Bosse mit dem Song Der letzte Tanz eine Hymne auf die Sehnsucht nach der, aktuell separierten, Gesellschaft – die sich in Konzerthäusern und Clubs trifft – veröffentlicht. Bosse ist in seinen Texten seit jeher direkt und bringt es auf den Punkt. Dieses Jahr scheint er allerdings noch einmal mehr die Motivation zu haben, das anzusprechen, was gerade schief läuft. Dabei nutzt er mal die Metapher des letzten Tanzes oder ist Teil einer Compilation zu Ehren der politischen Band Ton Steine Scherben, auf der er den Song Warum geht es mir so dreckig neu interpretiert. Nun hat Bosse mit Das Paradies ein Thema aufgegriffen, dass sich eigentlich aus den verschiedensten aktuellen Themen unserer Gesellschaft zusammensetzt. Für uns alle war 2020 ein Jahr der Herausforderungen, doch für einige war es noch schwieriger, als für andere, denn hatten sie mit Diskriminierung, Fremdenhass, Mobbing oder Gewalt zu tun – auch die Klimafrage kommt in Das Paradies vor. Bosse singt sich hier auf vier Minuten durch alles, was in unserer Gesellschaft schiefläuft.

Bosse & Bela B
Bosse & Bela B

Vom Zwang der Selbstoptimierung über die systematische Diskriminierung, den ewigen Religionskampf, den Kampf gegen die globale Erwärmung oder gegen den eigenen Druck und der Depressionen – Bosse spricht es an. Mit einem trägen Sound aus Schlagzeug, Bass und ruhiger Gitarre gibt sich Das Paradies der Bedeutungsschwere seines Inhaltes hin und wirkt dadurch gleich deutlich packender. Bosse hat hier einen Song veröffentlicht, der traurig, ermutigend, erschreckend und verträumt zugleich ist und dabei die Lösungen bereits selbst gibt. So schreibt ein Nutzer auf YouTube schließlich passend unter das Video Es wäre eigentlich so einfach….. Leben und leben lassen und müsste man nur hinzufügen – Leben schützen. Zum Abschluss des Jahres hat Bosse damit noch einmal bewusst gemacht, womit wir alle uns nicht zufrieden geben und kämpfen sollten. Hat Bosse in der Regel alle zwei bis drei Jahre ein neues Album veröffentlicht, dürfte Album Nummer 8 – mit dem Output 2020 – nicht mehr all zu lange auf sich warten lassen.

Roosevelt - Strangers

Roosevelt – Die Weihnachtszeit in Zeitlupe

Genau dieses Gefühl bekommen wir, wenn wir den neuen Song von Roosevelt zum ersten Mal hören. Strangers ist einmal mehr eine wunderbar funkige Synthie-Nummer, die sich an die große Disco-Zeit anlehnt und mit Loops und Streicher-Arrangements deutlich an Tiefe gewinnt. Hierbei hat Marius Lauber die vier Hamburger Streicher vom Kaiser Quartett dazugeholt und einen Disco-Hit produziert, der uns an Daft Pank erinnert. Dabei hat sich Roosevelt ein Schlagzeug-Sample zu nutzen gemacht und sagt über die Produktion Es war super aufregend an einem Streicherarrangement für den Song zu arbeiten. Das hat Strangers wirklich auf eine andere Ebene gebracht. Mit der Veröffentlichung des neuen Songs folgt Roosevelt seinem zwei-Monats-Zyklus in der Songveröffentlichung. Ist es fast genau zwei Monate her, dass der Kölner mit Feels Right seine dritte Single ausgekoppelt hatte, ist auch die am 26. August veröffentlichte Single Echoes und Sign, der Anfang Juni herauskam, auf dem dritten Album Polydans zu finden. Dieses wird am 26. Februar erscheinen und wieder den Weg zurück, zu seinem ursprünglichen Discosound finden, mit dem Roosevelt auf seinen ersten EP’s alle begeisterte.

Roosevelt
Roosevelt

Strangers ist dabei der vertonte Moment dieser Weihnachts- und Silvestersaison. Wünschen wir uns alle nichts mehr, als mit unseren Familien und Freunden ein ausgelassenes Weihnachtsfest und eine erinnerungswürdige Nacht ins neue Jahr zu feiern, wird es dieses Jahr eher bei den Erinnerungen an vergangene Feiern bleiben. Roosevelt schafft es, Sounds zu produzieren, die nach vorne gehen, euphorisch sind und gleichzeitig eine zeitlupenartige Melancholie zu Tage bringen. Immer wieder fliehen die Songs dabei aus ihrer – mitunter introvertiert wirkenden – eigenen Welt und graben sich mit extrem tanzbaren Rhythmen und verspielten Arrangements in unser Herz. Polydans verspricht dabei nicht weniger, als ein erneut großartiges Album des Produzenten zu werden, welches Roosevelt in knapp zwei Monaten auf uns loslässt. Mit kindlicher Vorfreude sehnen wir dem Release entgegen und tanzen zu jedem seiner bisher veröffentlichten Songs in unseren vier Wänden, als wäre es die größte Clubtanzfläche der Stadt.

Jono McCleery - Call Me

Jono McCleery – Ein Fels in der Brandung

Seine Songs bilden das Fundament für ein losgelöstes Wesen. Wurde der 37-jährige Singer/Songwriter Jono McCleery in London geboren, ist er zwar Teil der dortigen Musikszene, doch erzählt sein Schaffen eine Sprache, die vielmehr mit der rauen Landschaft der südenglischen Ländereien verbunden ist, als es die Millionenmetropole kann. In der Londoner Musikszene aufgewachsen, ist der introvertierte Musiker als Teil des dortigen Projektes One Taste Collective immer weiter in den Vordergrund gerückt. Hier hat McCleery dafür gesorgt, dass er londonweit zum Namen wurde. Unterstützt das Projekt One Taste Collective Bands bei ihren ersten Schritten, verhalf es unter Anderem Little Dragon und Jamie Woon zum Durchbruch. McCleery hat dabei in den vergangenen Jahren die Alben Darkest Light (2008), There Is (2011), Pagodes (2015) und Seeds Of A Dandelion (2018) veröffentlicht. Mit Here I Am And There Are You kommt am 20. November McCleerys fünftes Album auf den Markt und konzentriert sich wieder auf die warmen Sounds des Musikers. Mit der nun veröffentlichten Single Call Me zeigt der Brite, wie es sich anfühlt, getrennt zu sein. Dabei steht nicht im Vordergrund, ob durch eine räumliche Distanz getrennt, oder durch eine endende Beziehung. Vielmehr packt uns McCleery mit seiner unglaublich warmen Stimme und reisst uns mit, auf eine Tour durch den schönen Schmerz der Einsamkeit.

Jono McCleery
Jono McCleery

Dass dieser Schmerz nicht immer negativ sein muss und durchaus produktive und euphorische Momente hervorbringen kann, sehen wir im dazugehörigen Musikvideo. Hier sehen wir einen Mann, der sich, bedingt durch die Einsamkeit, in eine Welt flüchtet, in der er mit einer imaginären Freundin all die mitreissenden Momente erlebt, die er so vermisst. Dabei wirkt die Szenerie manchmal abstrakt, manchmal überzeichnet und wiederum einige Male einfach nur tief verbunden. Call Me begleitet die Bilder dabei mit einem sanften Gitarren- und Schlagzeugspiel, welches durch die kräftige Stimme McCleerys eine Wehmütigkeit entstehen lässt. War McCleery bereits mit Bonobo, Fink, Little Dragon und Jamie Woon zusammen auf Tour, sind seine Einflüsse vor allem durch die Musik von Fink und Bonobo geprägt. Das warme Timbre von Finian Paul Greenall – alias Fink – zusammen mit der introvertierten Weite von Bonobos treibenden Sound, lassen Jono McCleery in einem tiefen und berührenden Soundkostüm aufgehen, in das seine Stimme wie maßgeschneidert passt. Call Me ist damit der musikalische Ruf des Herbstes geworden, uns einen warmen und geborgenen Augenblick zu verschaffen.

Of Monsters And Men - Visitor

Of Monsters And Men – Schneller, Größer, Weiter

Der Drang nach neuer Musik schien bei der isländischen Folk-Band Of Monsters And Men groß gewesen zu sein. Nachdem ihr drittes Album Fever Dream und die Single Wars gerade erst vor 13 Monaten veröffentlicht wurden, kamen die fünf in Reykjavík lebenden Musiker im August mit einer Coverversion des Post Malone-Songs Circles wieder auf die Bildfläche zurück. Nun haben Nanna Bryndís Hilmarsdóttir, Ragnar Þórhallsson, Brynjar Leifsson, Kristján Páll Kristjánsson und Arnar Rósenkranz Hilmarsson mit Visitor eine komplett neue Single veröffentlicht und damit den Startschuss für eine ganze Reihe neuer Songs und anderer Inhalte gegeben. Damit wollen Of Monsters And Men das zehnjährige Bandjubiläum feiern und kündigen für das Jahr 2021 noch weitaus mehr Musik an. Visitor ist damit die erste große Veröffentlichung, die ihren einst so reduzierten Folksound weiter in Richtung Stadionsound bringt und gleichzeitig nichts vom sympathischen Gerüst der Musik der Isländer verloren hat.

Of Monsters And Men

Of Monsters And Men

Darin geht es darum, sich von der Welt, wie sie jetzt ist, loszulösen und zu sehen, wie die alte Welt immer weiter verschwindet, sich dabei aber plötzlich als Besucher dieser neuen Welt wahrzunehmen. Geschrieben wurde der Song lange vor der Pandemie und doch passt der Song, als hätte die Band geahnt, was kommen würde. Haben sie das Musikvideo noch vor dem großen Ausbruch im Februar in Island aufgenommen, präsentiert die Band ihren Fans nun diesen so erschreckend passenden, wie großartigen Song. Mit großen Gesten, einem schnellen Schlagzeug und voluminösen Synthies ist Visitor ein Song für die ganz große Bühne. Nach ihrem Kritikerliebling Fever Dream, sowie dem Debütalbum My Head Is An Animal (2011) und dem zweiten Album Beneath The Skin (2015) – von dem die starken Singles Crystals, I Of The Storm und Wolves Without Teeth kamen – könnte sich 2021 damit anstelle eines neuen Albums ein erstes Best-Of-Album ankündigen. Mit Visitor holen uns Of Monsters And Men – auch wenn es kein neues Studioalbum geben sollte – zumindest akustisch mit einem frischen Sound ab und lassen uns im kommende Jahr auf spannendes, neues Material hoffen.

Glasvegas - Keep Me A Space

Glasvegas – Die große Rückkehr

Sie hatten einen kometenhaften Aufstieg und einen ebenso tiefen Fall. Glasvegas waren mit ihrem gleichnamigen Debütalbum Glasvegas 2008 aus dem Nichts bis auf Platz 2 der britischen Albumcharts gekommen – mit über 300.000 verkauften Platten ein wahnsinniger Erfolg. Auch in zehn weiteren Ländern – darunter Deutschland – konnte die Band eine Chartnotierung vermelden. Hier war der Erfolg vor allem der Single Geraldine und Daddy’s Gone zu verdanken. Während Geraldine in einer üppigen Stadionhymne aufgeht, konnte Daddy’s Gone mit einem düsteren Tenor überzeugen. Mit dem zweiten Album EUPHORIC /// HEARTBREAK \\\ holten sie schließlich den großen Sound raus und veröffentlichten die großartige Rockhymne Euphoria, Take My Hand. Überzeugte das Album viele Kritiker, blieb es jedoch hinter den Erwartungen und schaffte nur noch mit Mühe den Einstieg in die britischen Top-10 auf einem 10 Platz. Mit dem 2013 veröffentlichten Album Later…When the TV Turns to Static ging die Schere aus positiver Kritik und kommerziellen Erfolg schließlich so weit auseinander, dass sich die Band in eine Schaffenskrise flüchtete. Denn während abermals die Kritiken überwiegend positiv ausfielen, verkaufte sich ihr Album in der ersten Woche nur knapp 3.000 Mal. Was folgte, war eine siebenjährige Pause von der Musik, die der Band zunehmend zusetzte. Als Resultat dessen, wurde im Juni dieses Jahres verkündet, dass Jonna Löfgren – die seit 2010 am Schlagzeug saß – die Band verlassen hatte.

Glasvegas

Glasvegas

Mit einem ehrlichen Post auf Facebook wandte sich Frontsänger James Allan schließlich vor wenigen Tagen an seine Fans und erklärte, warum es so lange dauerte, neue Musik der schottischen Band zu hören. Denn für das kommende Album hatte sich Allan den Wunsch des alleinigen Produzierens, Einspielens und Abmischens erfüllt. Gleichzeitig kündigte er damit neue Musik an und hatte nur vier Tage später mit Keep Me A Space sein Wort gehalten. Einher ging die Ankündigung des vierten Studioalbums Godspeed, welches am 2. April 2021 veröffentlicht wird. Mit 13 Konzerten in Großbritannien verkündete die Band darüberhinaus auch wieder erste Konzerte. Keep Me A Space ist die erste Veröffentlichung seit sieben Jahren für die Band und überzeugt mit dem einst so fulminanten Indie Rock, der sich aus Theatralik und großen Momenten zusammensetzt. Dabei ist es einmal mehr der persönliche Text von Allan, der dem Song so viel Tiefe und Aufrichtigkeit verleiht – bittet er in Keep Me A Space doch seine Cousine darum, immer einen Platz für ihn bereitzuhalten, auch wenn man sich nicht mehr so regelmäßig sieht, wie es noch in Kindertagen der Fall war. Glasvegas haben in den vergangenen Jahren viel erlebt. Vom Verlust ihres Plattenvertrages über den Ausstieg von Löfgren, bis hin zu einer kreativen Schaffenskrise. Mit Keep Me A Space und Godspeed kehrt die Glasgower Band zu ihrem Ursprung zurück und begeistert mit einem großen und emotionalen Indie-Sound, der sicher auch das Geburtsland des Indierocks überzeugen wird.

Jamie Cullum - Don't Give Up On Me

Jamie Cullum – Die Reflexion des ewigen Jazz-Jünglings

Es ist eine große Zahl – 40. Im letzten Jahr war es für den britischen Jazz-Pop-Musiker Jamie Cullum soweit und die 3 verschwand in seiner Jahreszahl. Was den ewig jung wirkenden Sänger in den letzten zwanzig Jahren seiner Musikkarriere stets frisch und jung wirkend ließ, wurde mit diesem Datum zur Bewährungsprobe – denn plötzlich fragte ihn jeder nach seinem Alter. Einst mit jungen 20 Jahren das Debütalbum Heard It All Before (1999) ohne Plattenvertrag veröffentlicht, wurde bereits sein zweites Album Pointless Nostalgic (2002) über 100.000 Mal in Großbritannien verkauft. Nicht zuletzt durch einen Major-Plattenvertrag erfolgte schließlich der weltweite Durchbruch mit seiner 2003er Platte Twentysomething, die sich mehr als 2,5 Millionen Mal verkaufte. Es folgten fünf weitere Alben, von denen Taller 2019 das letzte war. Nun ist der britische Jazz-Musiker aus Essex mit der neuen Single Don’t Give Up On Me zurück und spiegelt darauf die Wahrnehmung seiner selbst durch Andere.

Jamie Cullum

Jamie Cullum

Es ist ein Song darüber, dass man sich von dem Bild, das man in den Augen seiner Lieben hat, nicht erschrecken lässt. Es kann einen zum Durchdrehen bringen, weil es ein wahrheitsgetreues Spiegelbild ist, das jeden einzelnen winzigen Makel offenbart – so Cullum in einem Universal Music Interview. Musikalisch gibt es einmal mehr die markanten Klavierpassagen, die sich schnell mit Schlagzeug und Cullums unverwechselbarer Stimme abwechseln. Dabei singt Cullum immer auch so sympathisch direkt, dass man sich sofort wieder an seine großen Songs, wie Mind TrickI’m All Over It oder dem großartigen Love Is In The Picture erinnert fühlt. Cullum selbst sagt, dass dieses Jahr noch einiges an Musik des sympathischen Briten bereithält. Auch wenn die Pandemie nicht an dem Jazz-Musiker vorbei ging und er seine 2020-Auftritte auf das Frühjahr 2021 verlegen musste, dürfen wir gespannt sein, was die kommenden Monate für uns bereithalten. Mit Don’t Give Up On Me können wir zumindest erahnen, in welche Richtung es gehen wird und zeigt uns Cullum eindrucksvoll, dass das Alter auch nur eine Zahl ist.

Alanis Morissette - Reckoning

Alanis Morissette – Den Dämonen entgegentreten

Alanis Morissette hat uns in den vergangenen Monaten bereits mit den drei Singleveröffentlichungen Reasons I DrinkSmiling und Diagnosis einen ersten Vorgeschmack darauf gegeben, wonach sich das neue und mittlerweile neunte Studioalbum Such Pretty Forks In The Road anhören wird. Dabei ist die Sängerin in den vergangenen acht Jahren – seitdem ihr letztes Studioalbum Havoc & Bright Lights 2012 erschienen ist – durch so einige Aufs und Abs gegangen. Angefangen von der Alkoholsucht, welche die Kanadierin auf Reasons I Drink thematisiert, über Smiling in dem sie den Druck – den sie als Mutter in ihrem Alltag verspürt – behandelt, bis hin zu Diagnosis, bei dem sie über die Stigmatisierung von psychischen Krankheiten, wie Depressionen singt, sind alle Songs von einem starken persönlichen Bild Morissettes geprägt. Viele davon speisen sich aus der eigenen Erfahrung der Sängerin.

Alanis Morissette

Alanis Morissette

Während es nach der Albumverschiebung vom 1. Mai auf den 31. Juli nun nur noch zwei Wochen sind, bis wir das neue Album der Sängerin in den Händen halten können, veröffentlicht Morissette mit Reckoning nochmals eine Single, die sich – im Gegensatz zu den vorherigen Singles, die sich trotz der ernsten Themen deutlich freundlicher anhörten –  durch einen dunklen, monumentalen Sound auszeichnet. Hier wird der behutsame Einsatz von Klavier, Schlagzeug und Streichern zum Orchester der Melancholie und lassen Reckoning opulent und dramatisch klingen. Mit insgesamt elf Songs und Titeln, wie Sandbox LovePedestalNemesis oder Ablaze zeichnet Morissette ein immer größeres Bild ihrer kommenden Platte und scheint sich fast schon in einer Art Rundumschlag einer musikalischen Biografie zu befinden. Zuletzt hatte die Pandemie der Sängerin einen Strich durch die Rechnung mit den Konzerten zum 25-jährigen Jubiläum ihres Erfolgsalbums Jagged Little Pill gemacht. Hier hatte die Kanadierin erst Ende Juni eine Special Edition mit den Liveaufnahmen aus dem Londoner O2 Shepherd’s Bush Empire veröffentlicht. Nun können die Fans mit Such Pretty Forks In The Road erstmals seit acht Jahren wieder einen Morissette-Longplayer in den Händen halten und dürfte Reckoning die Freude darauf nochmals gesteigert haben.

Ela Minus - they told us it was hard, but they were wrong.

Ela Minus – Tiefer Sound für die Nacht

Es beginnt mit tiefen Synthies und einem hauchenden Gesang und baut sich innerhalb der kommenden 4:44 Minuten zu einem dunklen, treibenden Song auf, der von verborgenen Partys in dunklen und feuchten Kellern handeln könnte. Dabei hat Ela Minus – wie sich Gabriela Jimeno als Musikerin nennt – über die vergangenen Jahre immer größere Schritte unternommen, um erfolgreich Musik machen zu können. Mit neun Jahren am Klavier begonnen, zog es die in Bogotá, Kolumbien geborene Musikerin schnell ans Schlagzeug und in die Punk-Band Ratón Pérezin. Damals vor allem durch die Musik von Metallica und Pantera geprägt, wuchs die heute 30 jährige Musikerin eher mit harten Sounds auf – dies spiegelt sich auch in Ela Minus‘ heutiger Musik wieder. Dabei erlebte die ehemalige Punkrockerin in den 2000ern eine wahre Evolution der Rockmusik, die wir alle nur zu gut kennen. Waren es Anfang der 2000er noch die großen Acts aus den USA und Großbritannien, die mit ihren Gitarren für einen Hit nach dem anderen sorgten, floßen zunehmend elektronische Elemente in ihre Musik ein. Heute bilden so gut wie alle großen Bands einen Mix aus Rock und elektronischer Musik ab.

Ela Minus (Photo credit: Teddy Fitzhugh)

Ela Minus (Photo credit: Teddy Fitzhugh)

2008 zog Ela Minus schließlich nach Boston in Massachusetts, USA um an dem Berklee College of Music zu studieren. Hier studierte sie die beiden Fächer Drum Set Performance und Music Synthesis und schloß diese beiden erfolgreich 2013 ab. Direkt im Anschluss ging es für die Musikerin nach New York, wo sie seitdem in Brooklyn lebt. Mit ihrer 2019er Debüt-EP Adapt. zeigte sie bereits, dass sich ihre Musik komplett vom Schlagzeug gelöst hat und als Hauptinstrument die Synthies einsetzt. Mit ihrer neuen Single they told us it was hard, but they were wrong. setzt sie nach gefeierten Auftritten auf dem Sónar Bogotá 2017, dem Lollapalooza Argentina 2018 sowie geplanten – doch wegen der Pandemie abgesagten – Auftritten auf dem diesjährigen Primavera Sound Festival in Barcelona und dem Coachella Festival ein neues Ausrufezeichen. Denn einhergehend mit der Veröffentlichung von they told us it was hard, but they were wrong. geht auch die Mitteilung über einen Plattenvertrag bei Domino Records raus – bei denen auch Bands wie Franz Ferdinand, Arctic Monkeys, Austra, Georgia oder Hot Chip unter Vertrag stehen. they told us it was hard, but they were wrong. ist eine fluoreszierende Elektrohymne auf das eigen Vertrauen in sich, Dinge zu tun, von denen das Umfeld immer sagt, dass diese nicht möglich seien. Es ist aber auch eine Hymne an die Nacht. Nicht auf der Tanzfläche, sondern viel mehr an das Umherirren in den verworrenen Gängen der Clubs oder dem Rennen durch die Nacht einer Großstadt, bei dem die Straßenlichter für ein wiederkehrendes Lichtspiel im Gesicht sorgen. Ela Minus klingt geheimnisvoll, rau und treibend zu gleich und hat mit ihrer neuesten Veröffentlichung einmal mehr gezeigt, wie großartig der Einfluss von Punk- auf die elektronische Musik sein kann.

San Cisco - On The Line

San Cisco – Mit frischer Musik dem Lockdown ade sagen

Die australische Band San Cisco ist äußerst umtriebig. Scheint es doch, als würde die Band ununterbrochen neue Musik veröffentlichen. Doch, auch wenn seit ihrem Debütalbum San Cisco (2012) mit Gracetown (2015) und The Water (2017) erst zwei weitere Alben folgten, hat die – mittlerweile zum Trio zusammengeschrumpfte – Band auch durch ihre EPs Golden Revolver (2011), Awkward (2012) und Flaws (2020) für einen ständigen Output gesorgt. Dabei zeigen die Singles aus den Alben von Gracetown (Run), The Water (SloMo) und der letzten EP Flaws (Reasons) die volle Bandbreite der Band. Ob mit Indie-Beats voller Synthies oder treibenden Folksongs – San Cisco sorgen dafür, dass wir mitsingen und -tanzen können. Nun haben Scarlett Stevens (Schlagzeug), Joshua Biondilla (Gitarre) und Leadsinger Jordi Davieson mit On The Line die erste Single des kommenden, vierten Studioalbums veröffentlicht. Dabei zeigt sich einmal mehr, wie sich das Trio förmlich die Gesangsparts untereinander aufteilt und dadurch eine fast schon lockere Konversation entstehen lässt. Gleichzeitig besingen San Cisco auf On The Line die Tücken einer Liebe und den daraus entstehenden Aufs und Abs. So sagt Davieson über die neue Single: Wo ziehst Du die Grenzen? Wann ziehst Du den Stecker? Woher weisst Du, ob es den Aufwand wert ist? Hebst Du die Scherben auf und fängst was Neues an? Oder hältst Du durch für eine weitere Runde Romantik? Das Spiel der Liebe ist nie leicht zu spielen. Dabei könnte der Sound nicht weiter weg vom Songtext sein. Mit Sätzen, wie too broken too fix. But you don’t wanna give up on this … Could you love me. One more time? und dem lockeren, frischen Sound haben sich San Cisco ein regelrechtes Markenzeichen geschaffen – ist doch der Großteil ihrer Songs so aufgebaut. Mit lockeren Gitarren, den lässigen Gesangsparts der Drei und dem unglaublich eingängigen Refrain bohren sich die Australier in den Kopf und drehen dabei lustig ihre Runden, bis wir dem Song gänzlich verfallen sind. In ihrem dazugehörigen Musikvideo trafen die Drei das erste Mal, nach Monaten des Brot backens oder endlosen daddelns – und dem von der Pandemie bedingten Social Distancing – wieder aufeinander und waren sichtlich erfreut, wieder zusammen zu musizieren. On The Line ist der perfekte Song, um sich das erste Mal wieder mit Freunden – wie im Video zu sehen mit 1,50 Meter Abstand – zu treffen und gemeinsam den Frühling und Sommer zu genießen. Hat die Band eine baldige Veröffentlichung des neuen Albums angekündigt, sollen sich auch alle vier Songs der – im Frühjahr veröffentlichten – EP Flaws auf dem neuen Album wiederfinden.