The Killers - Caution

The Killers – Als hätten sie es gewusst

Was für eine wunderbare Rückkehr der Alternative- und Indie-Rockband aus Las Vegas. The Killers sind zurück mit einer Hymne voller Pomp, Glamour und großartigen Gitarrenriffs. Dass Brandon Flowers noch nie ein Mann der leisen Worte war, wussten wir bereits seit Singles wie Mr. Brightside und Somebody Told Me. Doch erst durch ihre 2008er Single Human kam es in Deutschland zum absoluten Durchbruch. Von ihrem dazugehörigen Album Day & Age verkaufte die Band über drei Millionen Platten, doch danach wurde es unsteter bei den Jungs und veröffentlichten The Killers in den letzten zwölf Jahren mit Battle Born (2012) und Wonderful Wonderful (2017) gerade einmal zwei Alben. Nun sind The Killers mit Caution zurück und fegen uns regelrecht weg mit einem voluminösen Synthiesound, der durch einen ausufernden Einsatz des Schlagzeugs wieder zum typischen Bombastsong wird, den wir alle gewohnt sind und lieben. Vom Gefühl dürfte Caution sich bekannt anfühlen, legt der Song doch die gleiche Euphorie and den Tag, wie Human oder Mr. Brightside. Das dazugehörige Album Imploding The Mirage wird am 29. Mai veröffentlicht und überrascht mit einer erfrischend, hohen Anzahl an Gastmusikern. So sind, neben dem The War On Drugs-Produzenten Shawn Everett auch The War On Drugs-Frontsänger Adam Granduciel, k.d. lang, Fleetwood Mac-Gitarrist Lindsey Buckingham, sowie die New-Yorker-Indieband Lucius mit dabei und sorgen dafür, dass Imploding The Mirage eines der abwechslungsreichsten Alben der Bandgeschichte werden könnte. Mit Caution sorgen The Killers auf jeden Fall jetzt schon Mal dafür, dass wir die Tanzschuhe noch nicht all zu weit in den Schrank räumen werden. Und als hätten sie es gewusst, passt der Songtitel so treffend zur aktuellen Lage überall auf der Welt.

Alex The Astronaut - I Think You're Great

Alex The Astronaut – 4 Jahre volles Programm

Wenn man als junge Frau von Australien nach New York zieht und plötzlich die Welt Kopf steht, dann ist man im Leben von Alexandra Lynn angekommen. Denn seit gut vier Jahren spielt sie sich unter dem Namen Alex The Astronaut durch die Welt und besticht mit einem herrlich direkten und unglaublich ehrlichen Klang. Meist ist es nur ihre Gitarre und der Sprechgesang, den die 24-jährige Sängerin auf ihren Songs vereint, doch sind es vielmehr die Texte, die Alex The Astronaut so herausragend sein lassen. Und das, obwohl sie in New York noch ernste Zweifel an der Qualität Dieser hatte. Vier Jahre später kann sie auf Spins von Elton John in seiner Beats 1 Show, auf die inoffizielle Hymne der australischen Kampagne zu den Wahlen zur Gleichstellung der gleichgeschlechtlichen Ehe, auf unzählige Konzerte weltweit sowie auf zwei EPs zurückblicken. Was fehlt – ist ein Debütalbum. Denn Alex The Astronaut veröffentlicht weiter unablässig Songs und hat so mit ihrem 2019er I Like To Dance wieder mit Relevanz und imposanter Leichtigkeit überzeugt – ging es hierbei doch um das Thema häusliche Gewalt. Nun ist die Musikerin mit I Think You’re Great zurück und singt damit ein Loblied auf die Freundschaft und das Sorgen und Pflegen eben dieser. Alex The Astronaut möchte die Menschen motivieren, sich nicht in ihrem stillen Kämmerchen zu verstecken und zu versuchen, alleine mit den Problemen klarzukommen, sondern vielmehr dazu aufmuntern, sich Freunden anzuvertrauen. Dabei klingt die Australierin wieder einmal mit ihrer Gitarre, einem eingängigen Schlagzeug und ihrem wunderbar, direkten Gesang so überzeugend und sympathisch, dass die eh schon überbordernde Schwärmerei immer mehr zu einer dauerhaften Liebe zu ihrer wird. Alex The Astronaut ist direkt, roh, singt, was sie bewegt und bleibt dabei immer unglaublich sympathisch. Es bleibt allerdings zu hoffen, dass es irgendwann auch zu einem Debütalbum kommt.

Like Elephants - Coastal Drive

Like Elephants – Wenn The Cure auf Rock trifft

Mit ihren Singles Video Game (2018) und Askja (2019) haben die Österreicher von Like Elephants in den vergangenen zwei Jahren für staunende Reaktionen gesorgt. Ist ihr Sound doch von Gitarren, Synthies und dadurch einer gehörigen Portion 80er Jahre-Vibe geprägt, haben sich Like Elephants aber gleichzeitig weiterentwickelt und genießen das Ausprobieren von verschiedensten Musikelementen. Mit ihrer nun veröffentlichten Single Coastal Drive nehmen sich Like Elephants die ganz großen der 80er-Jahre-New-Wave-Zeit vor und erinnern auf ihrem neuen Song stark an Bands wie The Cure. Durch einen pulsierenden Beat, einem temperamentvollen Bass und der Stimme von Frontsänger Viktor Koch wird Coastal Drive zu einer großartigen New-Wave Hymne, die gleichzeitig große Stücke des Genres Dream-Pop beinhaltet. Coastal Drive ist die Hymne, wie wir jetzt brauchen, um für eine Nacht all das wegzutanzen, was uns tagsüber den Kopf zerbricht und ist damit nichts Geringeres, als die Flucht aus dem Alltag – auch wenn es nur für etwas mehr als vier Minuten ist.

Gengahr - live@Maze Club Berlin

Gengahr – Getting rid of unnecessary parts – An interview

It was quite a mild but wet Thursday in February, when I met Felix and Hugh of Gengahr two days ago in Berlin Maze Club to have that interview with these two of one of currently best British Indie-keeping bands. In a very rough surrounding of Maze Club we talked about the influences of Jack Steadman. About handling expectations so as pressure and about their mixture of various numbers of genres.

 

 

 

SOML:
The first time I saw you was at the MELT Festival in mid-July 2015. That was around four weeks after releasing your debut album A Dream Outside. You played the Mainstage, with around 100 people in front of you and it was raining. Can you remember how it felt to be in that early phase of the band playing on that big stage?

Hugh:
Yeah, that was a strange show for us. That was probably the biggest stage we’ve played on at that stage of our career. And it was the festival with the fewest people we’ve played on a festival. So, it was a wash out. Everyone was hiding in their tents. And they filmed it and put it on TV which was actually good. But I think we were still loving life back then as we are now and it was a beautiful festival to play and an amazing surrounding. So, love to come back again and do it properly when it’s not pissing down.

Felix:
You summarized that one quite perfectly, really. It was a disappointing opportunity we were very excited about. But sadly sometimes the reality is just not quite what you had envisaged. But yeah, by nothing other than unfortunate weather circumstances.

 

 

SOML:
You guys started your music career in 2014 and 2015 where Indie based music was nearly dead. Especially in the UK and then Haydon Spenceley of the Clash Magazine just called you the saviors of British guitar music. So what interests me is: who has influenced you and where does your interest in guitar music come from?

Felix:
I think with guitar music influences, something that starts very early. We all have kind of similar backgrounds in music when it comes to our parents, I think. They were all that sort of children of the kind of prime time for British guitar music. You know The Stones and the Beatles. So, the hype of their kind have influenced us. And I think we all grew up on the background of listening to that. And lots of other folk music like John Martin, James Taylor, Joni Mitchell. And I feel like that is sort of somewhere the heart of the music we write were those influences still there. And we kind of expand of ourselves growing up, becoming teenagers. Start to listen to things like Nirvana and heavier guitar music where the guitar is less of a kind of a companying instrument and becomes a lot more the lead. So, there is also a kind of that throwing in. I think there was a lot of time obsessing and listening to bands like Smashing Pumpkins and with those guys in particular you can see the guitar is really a very direct lead instrument which I think is less obvious in a lot of the 60’s and 70’s music we like. 

 

Gengahr - live@Maze Club Berlin

Gengahr – live@Maze Club Berlin

SOML:
But you’re not all indie. You’ve started with a mixture of Psychedelic Rock, Indie and an atmospheric singing part. If we listen to your new album Sanctuary, there is still Indie and a few parts of that atmospheric singing. But also huge differences between the songs. Everything and More still has that psychedelic rock feeling, whereas songs like Anime, Icarus and Atlas Please are more Pop influenced and Heavenly Maybe or Soaking In Formula is even going to a Disco direction. What was your intention behind this diversity of sound?

Hugh:
I think we’ve always had aspects of those different genres in our music – in the other two albums. But they weren’t ever produced in a way to draw them out. So, I think with the recent album Sanctuary we made an effort to retain the early direction of the songs and pushed them further. I think we’re trying to make our album as diverse as possible without being too confused – I hope.

Felix:
I think a lot of it comes as well through the way this record was made. On previous albums you go into the studio, you set up the drums, you kinda have that sound of the room when you’re recording things. Despite what the genre the songs might be – there’ll always be that sort of continuous thread where the sound is quite similar. The way we made this record, a lot of time it was written and recorded within peoples’ bedrooms and stuff. So, it didn’t have that sort of linear production sound across the record. So, every song is kind of allowed to be itself a little bit more than perhaps it would had been if we recorded it in a more traditional fashion. 

 

 

SOML:
Also your songwriting has evolved during your band presence. Compared to the early time how does it feel today to write music and what does it mean to you?

Felix:
I think, naturally you always wanna feel as though you’re getting better. What I  certainly feel is though there is always so much to learn. Whenever you make an album you come out the other end a little wiser. With a few more tricks obviously, I think. The whole process of being in a band is one of growth and evolution. We’re always trying to do better what we’ve done before and try to make an album that you can be really, really proud of. 

Hugh:
Yeah, I think you can’t do the same thing twice. You try not to but it might come out similar. We always trying to do something different every album.

 

Gengahr - live@Maze Club Berlin

Gengahr – live@Maze Club Berlin

SOML:
Some songs are surprisingly direct and some others are more vague. You as a British band but also as every single band mate has experienced some challenging time in the past. How do personal or external experiences affect your songs?

Hugh:
Well, personal and external experiences, especially heavily emotional charged ones, naturally seek into ones composing. Whether that would be with lyrics or just tone and vibe of specific notes or chord productions. I think, we all had our ups and downs and I think they all help to the creative melting pot.

Felix:
I think you know I’ve to got to harness those emotions and try to turn it into something positive, I think. Some of the most amazing music is also the most heartbreaking. And I think there is a reason for that. The way a listener can connect and relate is something very powerful. Very different styles of music and of course with big, big pop tunes often there isn’t that connection but it still works for whatever of reason. But the sort of real pinnacle of great songwriting is when you have some which works on both levels: where it can kind of connect musically and emotionally. And that’s when you’re onto  a real winner. 

 

 

SOML:
In an interview you, Felix, described that – in some time – you wanted to put  all the songs you wrote on a solo record. What made you decide to not do this and instead make a new Gengahr record out of this?

Felix:
I’m not so tried to put all the songs onto a solo record. But when we finished working on Where Wildness Grows, I was already writing a lot of in the kind of headset to write and continue working. And we were all a little bit tired and fatigued at that point and I can sort of envisage perhaps the potential that certain band members wouldn’t really necessarily want to be a part of this next record. Or perhaps maybe they had enough and I was pleasantly surprised that I wasn’t right in that aspect. It did sort of take a few of us longer to kinda get back on board and get their head in the game than others. But we all kinda got there in the end. There was certainly a period where things were slightly more lonesome and less collaborative than they were at the end. 

 

Gengahr - live@Maze Club Berlin

Gengahr – live@Maze Club Berlin

SOML:
Your record label Liberator Music is home for independent bands and artists like Totally Enormous Extinct Dinosaurs and RY X but also for big players like Kylie Minogue, CHVRCHES and alt-j. How do you position yourself in that surrounding? And talking about the future. Do you see a possibility to collaborate with one of these artists in future?

Hugh:
Yeah, never say never. Kylie Minogue can always do some back vocals on our tracks if she shows her pleases. We’ve signed to Liberator Music from the start. They’d been our Australian label before we were singed in the UK. And we made the decision with them to do a world wide release. We are really happy with that decision. They’ve been great, very supportive in all different realms. It’s a massive label in Australia and they’re making inroads in the rest of the world. So, it’s exciting to be part of their bigger plans and project. 

Felix:
Yeah, their new horizons. We’re the center of the new horizon. 

 

 

SOML:
You recently collaborated with Bombay Bicycle Clubs lead singer Jack Steadman. He produced Sanctuary. How did you get in contact with him?

Felix:
So, Jack is kind of an old friend of ours, really. Hugh and I both went to sixth form Collage. So, we met Ed, who’s the bass player in Bombay Bicycle Club and we were in the same music class. Music technology class, to be precise. And then we met Jack through going to kind of house parties. So, we met Jack when we were 17 or 18 years old and hadn’t seen a lot of each other, to be honest. We bumped into each other at a few festivals over the years. And we were talking about doing a one-off single. We wanted it to be kind of different I guess to what we’ve done before and find somebody to come on board who’d add something we didn’t perhaps already have within the four of us. So, the selection of Jack was quite an astute one in that sense. He isn’t just a great producer. Having another songwriter in the room I think helps push everybody to just try up their game a bit. You wanna make sure that you’re giving your best self in those circumstances. It doesn’t afford you the ability to sort of like rest on your laurels. It creates a really  a positively charged atmosphere when you have someone that you respect, not just as a producer but also as the writer in the room. After doing that stand-alone single we had a discussion about recording an album. And thankfully everyone was really excited about doing that. And here we are now.

Hugh:
Yeah, it’s a nice combination of old and new with Jack cause we have this familiarity with him because we go so far back. But also pushing ourselves, as Felix said, we never really had a proper producer in the room with us when we were working on records. It was a nice combination. 

 

 

SOML:
As a Bombay Bicycle Club listener I can hear in many songs the vibe of Jacks music. Was that turn in your music planned and what was different in working with Jack compared to your previous records?

Felix:
I think Jack has some very distinctive kind of patterns of play. He has created his own role in our band very efficiently. He’s very good in finding the right place to position himself. I think he never feels as though he was encroaching or in sort of writing any of the songs. But also it’s very astute when it comes to putting together and enhancing the arrangements. A lot the more loopy delayed stuff was come about through Jack I think more than anything. Those kinda little quirks that he does use in a lot of Bombay Bicycle Club stuff. We found to be quite effective tools in sort of spoosing up some of our arrangements as well I think. 

Hugh:
Yeah, cutting the crap. Getting rid off lots of unnecessary parts in arrangements that are not adding to the overall.

Felix:
I think, it’s probably the biggest strength he has, if we had to pick one, it would  probably is his sense of within the arrangements, I think. He’s got a very good ear for what should be in there and what isn’t necessary, I think.

 

Gengahr - live@Maze Club Berlin

Gengahr – live@Maze Club Berlin

SOML:
You’ve filmed the music video of Heavenly Maybe in Berlin? How come and what’s your relationship to Berlin?

Hugh:
We love Berlin. We’ve played many times over the years. We also visited just for holidays. We wanted to do it definitely not in the UK. Somewhere in Europe. And given we have quite a strong connection with Berlin, we thought that we would come here. We have friends here that were gonna help us out shooting the video. So it made sense, really. For Heavenly Maybe, the song is actually kinda disco song. So filming it in a discotheque made a lot of sense too. It’s all about partying to avoid or suppress your problems. And I think a lot of people come to Berlin to do that. So, we thought that would the right thing to do.

 

 

SOML:
Many bands having pressure by setting goals or being confronted with high expectations and failing. How do you work with expectations? That is: in your music, in your success or expectations with personal goals?

Felix:
It is a challenging predicament to find yourself in. I think of everybody will  probably feel very similar. Whether you’re sort of Ed Sheeran, whether you’re a band like us who are on their third album and still working tirelessly and touring as much as possible whilst juggling the rest of our lives. You always wanna feel is that you moving forward. We have our own personal expectations. We demand a lot of ourselves. But I think it’s important often to try and step back and have a look of the bigger picture. You know, you often gotta kinda say to yourself. Would your younger self be happy with where you are now. And I think often, we’re thankful enough to say Yes is the answer. We kinda have done a pretty good job. I think there is no harm in hoping for more and wishing for more.

Hugh:
Yeah, it’s a tricky one with expectations. Also for me personally. I think lowering expectations is always quite useful in all works of life. It can create mental health pressures by giving yourself to too high expectations. But it’s about finding the balance and wanting to progress and carry on doing what you doing in various ways. But without being hung up on specifics. 

Felix:
Don’t beat yourself up

Hugh:
Self compassion

Felix:
But also work pretty hard. (laughing)

 

 

 

 

Interview: Marten Zube

Fickle Friends – Musikalische Weiterentwicklung

Er überrascht – der neue Song von Fickle Friends. Waren sie mit all ihren vorherigen Songs, wie The Moment (2018) oder Amateurs (2019) stark an den 80er Jahre orientiert, klingt die nun veröffentlichte Single Eats Me Up deutlich moderner und gleichzeitig erwachsener. So ist der verspielte Synthiesound einem schwelgerischen Popsound gewichen, der sich nachdenklich und traurig anhört. Natürlich ist ein Song ohne Synthies kein Fickle Friends Song – und werden die Synthies eingesetzt – allerdings nicht mehr so überbordernd und präsent, wie man es von der Band gewohnt ist. Vielmehr ist es eine Soundwolke und Natassjas Gesang, welche sich präsenter zeigen. Eats Me Up ist dabei eine Verarbeitung des ganzen Drucks, den die Sängerin und die Band in den letzten Jahren erlebten. Und so sind die Songzeilen I need peace of mind. Cos im up all night. Up in the clouds Figuring out. Wondering how I even got here. No I don’t need reminding. Of the thoughts I’ve been hiding. In the back of my head. Rather be dead. Rather than told that I’m lying auch unmissverständlich klar in ihrer Bedeutung. Die schwere des Themas hört man dem Song dieses Mal auch an, so ist Eats Me Up zwar durchgehend ein lupenreiner Popsong, doch schwebt dieses Mal auch immer eine Wolke der Vernunft mit.

Flecks – Das überwältigende Gefühl der Gefühle

Es ist ein Song, wie für dieses Gefühl geschrieben- der neue Song You Bet I Would des Irische Duo Flecks. Haben Freya und Scott mit Doubles und Samurai vor Kurzem erst wieder auf sich aufmerksam gemacht, folgt nun dieser großartige Popsong. Von der Schnelligkeit eines Moments des Verarbeitens neue Eindrücke klingt You Bet I Would nach einer endlosen Taxifahrt durch die Häuserschluchten New Yorks. Immer das Gesicht an die Scheibe gedrückt und den Blick nach oben schweifend, entsteht so das Gefühl der Überwältigung. Gleichzeitig läutet der Song mit seinem fulminanten Aufbau ein regelrechtes Bersten des Körpers durch genau dieses Gefühl der Überwältigung ein. Wir alle kennen diesen unbeschreiblichen Druck im Körper, wenn wir uns in einem Moment des absoluten Glücks wiederfinden. Flecks haben dieses Gefühl auf You Bet I Would wunderbar eingefangen und durch große Synthiebetten und einem energischen Gesang Freyas so, einen großen Popsong geschrieben, der sich an die Momenten anlehnt, die so individuell, wie bedeutsam sind. Es wird Zeit, dass dieses Duo mehr Aufmerksamkeit erfährt und zum Soundtrack unseres Alltags wird.

The Strokes - Bad Decisions

The Strokes – Zweiter Streich mit nostalgischen Gefühlen

Es ist erst wenige Tage her, da hatten The Strokes mit At The Door das erste Mal nach sieben Jahren wieder einen Song veröffentlicht und gleichzeitig für April ein neues Studioalbum angekündigt. Sollte das nicht schon genug zur Freude gewesen sein, dürfen sich die Fans natürlich auch über Livedates der US-Amerikanischen Band freuen. Und haben wir bei der ersten Singleveröffentlichung noch über die Richtung des neuen Albums The New Abnormal gerätselt, wird mit dem neuen Song Bad Decisions einmal mehr der Retro-Sound aus Punk, Indie und Rock klar. Dabei klingen Julian Casablancas und der Rest der Band so nostalgisch, als würde Bad Decisions bereits vor 20 Jahren veröffentlicht worden sein. Geschrieben von Casablancas ist da aber auch eine Melodie im Song wiederzuerkennen, die uns noch viel länger zurückdenken lässt. Denn auf Bad Decisions werden Elemente des 1980er-Billy Idol Songs Dancing With Myself verwendet, weshalb sich in den Credits des neuen Strokes-Songs Idol auch wiederfindet. Bad Decisions ist Indie-Rock in allerbester Manier und lässt uns völlig vergessen, dass die Band sieben lange Jahre nichts mehr veröffentlicht hatte.

Bloodhype - Violent Heart

Bloodhype – Mit Blut und Schweiß zum Hype

Es war im Herbst 2018, als dieser mystisch, dunkle Alternativerock für einen Moment inne halten ließ. Die Single Romeos der Berliner Band Bloodhype ließ aufhorchen. Mit einem epischen Soundbett, wabernden Synthies und Elmar Weylands Stimme, die gleichermaßen intensiv, rau und warm sowie bedrohlich und ausbrechend klang, hatten es Bloodhype innerhalb kürzester Zeit geschafft, die Aufmerksamkeit internationaler Blogs auf sich zu ziehen. Nun sind sie mit Violent Heart wieder da und zeigen, dass ihre Liebe zu dunklen Synthies gar noch stärker geworden ist. Mit einem ausladenden Sound aus Gitarren, Schlagzeug und Saxophon – der nach Gewinnern klingt – scheint es Christopher Kohl, Matt Müller, Erik Laser und Elmar Weyland genau in diese Richtung zu treiben. Dabei bleiben sie zu jeder Zeit präsent und lassen keinen Unterschied, zwischen deutschem Sound und dem der großen Amerikanischen und Britischen Bands, erkennen. 2020 wird für Bloodhype ein Schlüsseljahr werden. Werden sie den Durchbruch schaffen, oder bleiben sie in der Indie-Nische?! Das gilt es zu beobachten. Bloodhype haben mit ihrem angekündigten Debütalbum Modern Eyes – welches sie im Sommer veröffentlichen wollen und sowohl in den Berliner Hansa Studios, als auch in Kellerstudios in Berlin aufgenommen haben – und ersten Tourdates im Herbst 2020 zumindest die besten Vorraussetzungen, um sich diesem Ziel mit großen Schritten zu nähern. Und selbst internationale Termine sollen aktuell im Gespräch sein. Da scheint eine andere Richtung, als die zum Erfolg fast schon ausgeschlossen – wir bleiben dran!

Garrett Kato feat. Julia Stone - Breathe It In

Garrett Kato feat. Julia Stone – Wenn ein Song einschlägt

Er ist so etwas, wie eine emotionale Explosion – der neue Song Breathe It In des US-Amerikaners Garrett Kato. Ist Kato vor einiger Zeit nach Australien gezogen, hat er sich für Breathe It In mit Julia Stone zusammengesetzt und einen Song geschrieben, der so tief und reich an emotionaler Interpretation ist, dass dieser sehr viele Menschen ansprechen wird. So universell, wie einzigartig, singt Kato mit einem Timbre, den man in Deutschland einmal Mitte der 2000 vom britischen Sänger Ben Hamilton zu hören bekam. Mit einer wunderbaren Tiefe und Wärme singen Kato und Stone darüber, wie es ist im Moment der Selbstfindung eine neue Person in sein Leben zu lassen. Diese Momente, die uns als unglaublich verletzlich und pur auszeichnen, sind oftmals der Beginn einer aufrichtigen Beziehung. Genau diese aufrichtige Ehrlichkeit ist es, die dem Song Breathe It In diese Tiefe gibt und in den letzten kalten Nächten des abziehenden Winters für Wärme sorgt. Breathe It In ist auf Katos neuester EP S. Hemisphere enthalten, die am 6. März veröffentlicht wird.

Balthazar - Halfway

Balthazar – Alle sind bereit

Bereits im Januar 2016 gab es hier auf SOML die Single Bunker der belgischen Indieband Balthazar zu hören Mit Bunker noch völlig im Indierock befindlich sollte es vier weitere Jahre dauern, um einen Sound zu veröffentlichen, der plötzlich gänzlich groß und nach internationalen Rockbands klingt. Mit ihrem 2019er Album Fever und der gleichnamigen Single schaffte es die Band nicht mehr nur in Belgien, Frankreich und den Niederlanden Erfolg zu haben, sondern bekam auch immer mehr Aufmerksamkeit aus dem deutschsprachigen Raum. So platzierte sich das vierte Album erstmals auch in den Schweizer Albumcharts und wurde in Deutschland vermehrt in die Radioplaylisten aufgenommen. Nachdem Balthazar 2019 bereits auf Tour waren, kommen sie nun für weitere Konzerte zurück nach Deutschland und haben mit Halfway gleichzeitig eine neue Single am Start. Ob sich der Name des Songs davon ableitet, dass Halfway genau zwischen zwei Alben veröffentlicht wird, kann nur vermutet werden, zumindest hoffen die Fans, dass es nicht wieder vier Jahre dauern muss, ehe die Belgier ein neues Album veröffentlichen. Mit Halfway scheint es allerdings in eine hoffnungsvolle Richtung zu gehen – dabei nimmt der Song einen ähnlichen Pfad auf, wie ihn die Tracks auf dem letzten Album der Band genommen haben. Mit stolzer Brust singt sich auf Halfway hauptsächlich Jinte Deprez durch den Song und wird nur durch Backingvocals von den anderen Bandmitgliedern begleitet. Mit einer Mischung aus dunklem Alternativerock, einem Gesang der mit R&B-Elementen aufwartet und dem typisch, cool und entspannten Sound lassen Balthazar die Tage bis zu ihren Deutschlandkonzerten wie im Flug vergehen – denn zumindest in Deutschland sind alle bereit für mehr Musik der Belgier