Janelle Monáe - Turntables

Janelle Monáe – Der ewige Kampf als Sound

Sie war schon immer politisch und sang über gesellschaftskritische Themen. Doch was die US-Amerikanische Sängerin Janelle Monáe nun veröffentlicht hat, bezieht mehr und offener denn je Stellung. So wird Monáe in der US-Amerikanischen Musikszene immer mehr zu dem weiblichen Freigeist, deren männliches Pendant in Childish Gambino aufgeht. Monáe – die ebenso wie Gambino als Schauspielerin, Musikproduzentin und Songwriterin tätig ist – hat mit ihrem dritten Album Dirty Computer (2018) und der Singleveröffentlichungen Make Me Feel gezeigt, wo ihre Schmerzgrenze des Erträglichen an tagtäglichen Diskussionen um die Diskriminierung von Frauen, Farbigen und Menschen der LGBTQ-Gemeinschaft liegt. Mit diesem Album konnte Monáe sogar eine Grammy-Nominierung für das Album des Jahres 2018 einsacken. Auf ihrer neuen Single Turntables ist nun der Songname Programm. Hier singt Monáe gleich zu Beginn die Zeilen the table bout to turn, the table bout to turn – was gleichzusetzen ist, mit der Aufforderung, dass es Zeit für eine Veränderung ist. Gleichzeitig sehen wir im Musikvideo – neben Monáe, die durch ein großzügiges Einfamilienhaus läuft – immer wieder auch Einspieler und Straßenszenen, auf denen die Black Lives Matter-Bewegung zu sehen ist.

Turntables (Video) Turntables (Video)

Der Kampf auf der Straße um Gleichbehandlung und -berechtigung so vieler unterdrückter Menschen ist dabei ein zentrales Thema Monáes. Musikalisch greift die Sängerin dabei nochmals den Sound des dritten Albums auf und mischt funkige Sounds mit Hip-Hop und Soul. Monáe, die sich selbst als Kämpferin dieser Menschen sieht, präsentiert uns mit Turntables einen starken Song, der vielleicht als einer der wichtigsten Songs über die aktuelle Lage in den USA eingehen könnte. Monáe ist dabei Rebellin, Kämpferin und Anführerin einer Generation, die politisiert ist und sich für Freiheit in jeglicher Form und für jeden Menschen in diesem Land einsetzt. My city cryin’ out heisst es schliesslich an einer anderen Stelle im Song und zeigt ebenfalls auf, wie zerrissen die USA und Monáes Heimat ist. Turntables ist dabei einer der anspruchsvollsten und wichtigsten Statements, das wir zur Zeit haben können und bildet nach Childish Gambinos This Is America erneut Potential für Diskussionen. In einer kleinen Cameorolle im Musikvideo zu Turntables können wir sogar des Öfteren Childish Gambino erkennen, der damit die Verbundenheit zu Monáe und ihren Intentionen darstellt. Wenn Monáe mit ihrer kommenden Musik in eine ähnliche Richtung geht, dürften wir ein großes Album erwarten.

Sylvan Esso - Frequency

Sylvan Esso – Der leise Sound des Positiven

Die Schlagzahl erhöht sich. Hatten Sylvan Esso vor knapp acht Wochen mit Ferris Wheel die erste Single aus ihrem dritten Album Free Love veröffentlicht, folgte knapp vier Wochen später mit Rooftop Dancing bereits die zweite Auskopplung. Nun, gerade einmal vier Wochen nach ihrer zweiten Single und zwei Wochen vor der Veröffentlichung von Free Love, bringt das aus North Carolina kommende Duo, mit Frequency die dritte Single auf den Markt und orientiert sich im Sound dabei an Rooftop Dancing. Beide haben – im Gegensatz zur Leadsingle Ferris Wheel einen charmant, zurückhaltenden Sound und überzeugen durch die positiven Beats, die Nick Sanborn hier produziert hat. Dabei singt Amelia Meath bezaubernd über einen minimalistischen Folk-Dance-Beat, der immer wieder durch massive Bassblasen verstärkt wird. Im Video sehen wir Meath auf einer Golfanlage völlig schräge Tanzbewegungen vollziehen, bis sich, nach und nach, immer mehr Menschen um sie herum versammeln und ihre Bewegungen mitmachen. Hier hat Singer/Songwriter Moses Sumney – der auch bei seinen eigenen Musikvideos Regie führt und mit James Blake zusammenarbeitete – die Regie von Frequency übernommen und eine wunderbare Symbiose aus Verbundenheit und Abstand geschaffen.

Sylvan Esso - Free Love

Sylvan Esso – Free Love

Mit Bewegungen, die an die Netflix-Mysterieserie The OA erinnern und dem zugänglichen Sound zeigen Sylvan Esso, dass sie auch abseits der großen elektronischen Beats überzeugen können. Gleichwohl sehen wir aber auch das wunderbare Zusammenspiel aus zwei ihrer früheren Projekte. Ist Meath nach wie vor Teil des American-Folk orientierten Trios Mountain Man, kommt Sanborn aus der Psychedelic-Folk Ecke und ist der Produzent und Bassist der Band Megafaun, sie sich seit 2012 in einer Bandpause befindet. Mit Free Love bringen Sylvan Esso nun am 25. September ihr drittes Studioalbum auf den Markt und zeigen uns mit den bereits veröffentlichten Songs einen guten Querschnitt des kommenden Albums – bestehend aus dem Intro-Song What If, dem unglaublich tanzbaren Ferris Wheel und den beiden sympathischen Folknummern Rooftop Dancing und Frequency. Sylvan Esso sind mit ihrer Musik präsenter denn je und haben es sich redlich verdient ein größeres Publikum zu erreichen.

Paul Woolford, Diplo & Kareen Lomax - Looking for Me

Paul Woolford, Diplo & Kareen Lomax – Deep House für den Spätsommer

Erst setzen sphärische Claps und eine tiefe Stimme mit den Worten Oh Yeah ein, ehe ein starker Housesound den Song in einen pulsierenden Clubtrack verwandelt. Es ist der Song Looking For Me vom britischen Produzenten und DJ Paul Woolford. Zusammen mit dem US-Amerikanischen Produzenten Diplo und der ebenfalls aus den USA kommenden Sängerin Kareen Lomax haben sie mit Looking For Me eine hypnotische EDM-Version einer Ballade veröffentlicht, die nicht nur zusammen von den Dreien geschrieben wurde, sondern mit dem Hamburger Produzenten und Songwriter Jr Blender ein großes Potential hat, richtig durchzustarten. Dabei fällt vor allem der Gesang auf. Ist er von der – in Atlanta lebenden – Sängerin Kareen Lomax, wird er gerade durch ihre tiefe und dunkle Stimme so besonders.

Paul Woolford, Diplo & Kareen Lomax

Paul Woolford, Diplo & Kareen Lomax

Dass der Song kein Glückstreffer für die Sängerin war, zeugt vor allem davon, dass Lomax ein großer Fan Diplos ist und ihn letztes Jahr ganz unkonventionell via Facebook anschrieb. Was daraus geworden ist, können wir nun alle hören und zeugt Looking For Me davon, dass man sich auch Mal etwas trauen muss, um an seinen Erfolg zu kommen. Mit einer ohrwurmverdächtigen Melodie, den immer wieder aufflirrenden Synthies und Lomax‘ hervorstechender Stimme ist Looking For Me eine melancholisch, treibende EDM-Hymne an die 90er Jahre, die Paul Woolford, Diplo und Kareen Lomax sicherlich in den kommenden Monaten viel Spaß bereiten wird. Diplo agiert dabei einmal mehr als Tausendsasser und hat – neben seinen Projekten, wie Jack Ü, Major Lazor, Silk City und Kollaborationen mit , Ellie Goulding, Dillon Francis oder Sidepiece – ein weiteres, heißes Eisen ins Feuer geworfen.

Miley Cyrus - Midnight Sky

Miley Cyrus – Flashback in die 80er

Sie ist eine der schillerndsten Acts, den wir im aktuellen Popbusiness weltweit finden können. Dabei gleichzeitig erfolgreich und kontrovers zu sein, gilt für Miley Cyrus als gesetzt. War sie mit ihrer Figur Hannah Montana schon früh erfolgreich, mochte die Tochter der US-Amerikanischen Country-Legende Billy Ray Cyrus ebenso früh ausbrechen. Nach unglaublich erfolgreichen Veröffentlichungen rund um die Hannah Montana Zeit, folgte 2013 der internationale Durchbruch mit dem Album Bangerz und den Singles We Can’t Stop und Wrecking Ball – bei dem sie nackt auf einer Abrissbirne posierte. Es folgten zwei weitere Albumveröffentlichungen und ein Mitwirken in der Netflix-Serie Black Mirror, in der sie den Star Ashley O spielte. Nun ist Cyrus mit ihrer neuen Single Midnight Sky zurück und beantsprucht die 80er Jahre für sich. Konnten wir gestern noch vom New Yorker GASHI hören, wie dies klingen kann, konzentriert sich Cyrus auf das Gesamtbild. Mit blondierter Vokuhila-Mähne, ganz viel Glitzer und übergroßen Jackets setzt Cyrus den Fokus nicht nur auf das Hörbare, sondern vielmehr auch auf ihr Auftreten und erinnert dabei an die Dance-Ikone Róisín Murphy.

Miley Cyrus - Midnight Sky (Musikvideo)

Miley Cyrus – Midnight Sky (Musikvideo)

Natürlich ist aber auch musikalisch alles, bis ins kleinste Detail, auf die 80er Jahre abgestimmt und lässt Cyrus in einer, von Synthiebeats umgebenen, Soundwolke förmlich aufsteigen. Produziert von Andrew Watt und Louis Bell – die bereits Songs für Lana Del Rey, Taylor Swift, Justin Bieber oder Post Malone produzierten – hat sich Cyrus eine wunderbar, schillernde Popnummer geschaffen, die mit Stärke glänzt und Cyrus‘ kräftige Stimme bestens präsentiert. Inhaltlich möchte die Sängerin mit Midnight Sky auf den Druck eingehen, der vor allem bei Frauen herrscht, eine Beziehung für immer führen zu müssen und dabei oftmals der Fehler nur bei der Frau gesehen wird, wenn diese Beziehungen zerbrechen. Damit einhergehend sind Enttäuschungen vorprogrammiert und lasten auf den Frauen, so Cyrus. Mit dem Disco- und Dance-Popsong Midnight Sky wird es darüber hinaus auch wieder konkreter, was die Veröffentlichung von Cyrus‘ siebten Studioalbums She Is Miley Cyrus angeht. So dürfte es nicht mehr all zu lange dauern, bis ein Veröffentlichungstermin feststeht und die US-Amerikanische Sängerin, nach ihrer fulminanten MTV VMA-Performance von Midnight Sky den nächsten Hit in Albumlänge veröffentlicht.

Ace Marino - Communication

Ace Marino – Back to the Future

Es ist der Sound der Vergangenheit. Mit wabernden Bässen, verspielten Synthies und einer großen Portion 80er-Jahre-Feeling schafft es gerade ein Song in unsere Herzen, der nicht besser unter diese Beschreibung fallen könnte. Bekannt geworden ist er vor allem durch einen Werbespot des Automobilhersteller Audi. Hier sehen wir einen Wagen der Marke durch das futuristisch aufgepepptes Berlin fahren. Im Hintergrund zu hören ist diese wabernde Synthiehymne, die sich an Künstlern, wie Kavinsky und M83 anlehnt. Dabei steht hinter dem Song Communication der Kalifornier Ace Marino, der sich selbst auch gern als eine Fitnessikone, einen Strand-Bro und außergewöhnlichen Produzenten beschreibt. Mit viel Liebe zur Ironie hat sich Ace Marino in den vergangenen Jahren zu einem ernstzunehmenden Anwärter auf die Synthiewave-Krone gemausert und überzeugt mit einem durch und durch auf die 80er Jahre ausgerichtetes Gesamtwerk. Auf seiner 2017 erschienenen Debüt-EP Cocaine Flamingo bündelt er diese 80er-Jahre Power und beweist vor allem bei seinen Instrumentalstücken – wie Communication – wo seine Stärken liegen.

Ace Marino

Ace Marino

Denn während auf den Vocal-Songs zumeist eine leicht schräge Gesangsstimme vorherrscht, ist es auf Communication vor allem der reine 80er-Jahre Sound, der genau das Gefühl vermittelt, welches gerade durch Serien wie Stranger Things an Beliebtheit gewinnt. Indie genug, für die Festivals und Clubs und ebenso cool, um auch den Mainstream zu erreichen hat Communication alles, um die Kinder der 80er Jahre zu erfreuen, sowie dem heutigen Zeitgeist zu entsprechen. Hatte Ace Marino vor genau einem Jahr sein Debütalbum Muscle Beach angekündigt, ist es bisher nur bei der gleichnamigen Single geblieben. Nun hat der US-Amerikaner am vergangenen Freitag mit Talk Me Down einen neuen Song veröffentlicht, der sich mit seinem Gesang poppiger anhört, als das beatlastige Communication. Doch während sich Ace Marino damit erst noch beweisen muss, wird Communication zu einem wahren Selbstläufer. Also lasst den Vokuhila und Oberlippenbart wachsen, holt die neonfarbene Joggingjacke raus und tanzt euch in Rage zu Communication.

 

SYML - The Dark

SYML – My darkness looks different than yours

Es ist der Moment, der musikalisch so vieles verändern kann. Mit einem einfachen Satz, wie Meine Dunkelheit ist eine andere, als die Eure und doch fühlen wir sie alle auf die gleiche Art, hat Brian Fennell seinen neuesten Song angekündigt. Dabei veröffentlicht der aus Seattle kommende US-Musiker hier einen Song, den man so vielleicht kein zweites Mal zu hören bekommt. Denn mit The Dark ist ein Song rausgekommen, bei dem der Singer/Songwriter selbst noch nicht einmal weiss, ob es sich dabei um die finale Version handeln wird. Gleichzeitig empfand es Fennell aber als richtig, ihn jetzt zu veröffentlichen. Mit einem ruhigen, choralen Intro, dem emotionalen Gesang Fennells und dem begleitenden Gitarrenspiel bildet sich in The Dark ein Gefühl heraus, das sich von tiefen Emotionen speist. Dabei baut Fennell eine große Ähnlichkeit zum Song The Night We Met von Lord Huron auf, der einen so epischen Moment in der zweiten Staffel der Kultserie 13 Reasons Why – Tote Mädchen Lügen Nicht einnahm.

SYML

SYML

Fennell selbst fügt auf seiner Facebookseite schließlich zur Veröffentlichung des Songs hinzu: Ich glaube nicht daran, dass wir fürs alleine Leben bestimmt sind, doch verhindert es nicht die Tatsache, dass wir es oftmals sind. Sollte Dich dieser Song alleine vorfinden, wünsche ich mir, dass er eine Zeit lang Dein Begleiter wird. Damit genau ins Schwarze getroffen, klingt The Dark hallend, wie in einer Kathedrale, in der wir alleine mit unseren Gefühlen tanzen. Die daraus resultierende Stimmung, kann so reich, wie zerstörerisch sein und birgt viele Momente, sich über Dinge im Klaren zu werden, die man sonst immer wieder verdrängt. Dabei spielt The Dark genau die Rolle, die gute Musik erzeugen kann, wenn sie so universell, wie passend einsetzbar ist. Fennell geht in The Dark schließlich in einem Trompeten-Höhepunkt auf, eher er sich mit der gleichen, leisen Stimmung verabschiedet, die wir eingangs bereits hören konnten. Man hört Fennell an, dass er ein leidenschaftlicher Musiker ist und wird mit jedem seiner neuen Songs auch immer wieder aufs Neue berührt.

Haiku Hands feat. Sofi Tukker - Fashion Model Art

Haiku Hands feat. Sofi Tukker – Tanzen, bis wir wieder vereint sind

Vor knapp zwei Jahren hatten Haiku Hands mit Squat einen so massiven Dancesong veröffentlicht, dass man sich gewünscht hatte, dieses Trio schnellstmöglich auf den großen Bühnen weltweit zu erleben. Doch schien die Zeit noch nicht gekommen und so spielten sich die Schwestern Claire und Mie Nakazawa sowie Beatrice Lewis die Finger wund, um ihre Fanbase aufzubauen. Als Support-Act von Bands wie Sofi Tukker fanden sie schließlich ein passendes Publikum – sind die Sounds und Songs des US-Amerikanischen Duos doch ähnlich aufgebaut und begeistern mit einem ähnlich treibenden Beat. Mit ihrer neuesten Single Fashion Model Art besiegeln sie nun den Hype und bringen zusammen mit Sofi Tukker einen Song in Umlauf, der sich demnächst auf wohl so einigen Catwalks oder Vernissagen wiederfinden wird. Und das, obwohl der Song gerade diese Events so ironisch aufs Korn nimmt. So besuchte die Band vor einiger Zeit die Sydney Biennale – ein internationales Festival für Contemporary Art – und machte sich über das Getue auf Veranstaltungen wie dieser lustig.

Haiku Hands

Haiku Hands

So entstand im Zug – auf dem Weg nach Hause – der Singsang Fashion Fashion, Model Model, Art Art Art, den sie den Rest der Fahrt immer wieder laut durch den Zug riefen. Mit der passenden Attitüde angereichert ist Fashion Model Art ein pumpender Dancetrack, der sich mit Hilfe von Sofi Tukker ganz genau dort platziert, wo sich die Mädels selbst sehen – auf den Tanzflächen dieser Welt. Mit simplen Beats und aufmüpfigen Texten stehen Haiku Hands nun auch kurz davor, ihr Debütalbum Haiku Hands zu veröffentlichen – welches am 11. September in die Plattenläden kommt. Auch hier hat die Pandemie und der Lockdown dafür gesorgt, dass sich einiges in der Planung geändert hat. So veröffentlichen Haiku Hands ihr erstes Album nun ohne dieses mit Liveperformances promoten zu können. Sind die ersten neuen Konzerte für Januar 2021 angesetzt, versucht das Trio gerade alles, um die Fans zu erreichen und veröffentlicht Livestream-Konzerte. Mit Fashion Model Art haben Haiku Hands einen enormen Ohrwurm veröffentlicht, der sich mit Sicherheit auf kommenden Fashion-Shows wiederfinden wird.

Billie Eilish - My Future

Billie Eilish – Wundersame Verwandlung ins Positive

Vor kurzem noch, hatte die Süddeutsche Zeitung die US-Amerikanische Sängerin als zweitwichtigste Teenagerin unserer Zeit gekürt. Nur an Greta Thunberg kam sie nicht vorbei. Dabei hat Billie Eilish in den vergangenen zwei Jahren mit Songs, wie Everything I Wanted alles erreicht, was man erreichen kann. Mit fünf Grammy Awards, einem BRIT Award, einem JUNO Award, zwei MTV Europe Music Awards und drei MTV Video Music Awards, sowie der Krönung – mit No Time To Die einen James Bond-Titelsong singen zu dürfen – hat Eilish in zwei Jahren das geschafft, worauf andere Acts ein ganzes Leben lang hin arbeiten. Nun hat Eilish mit My Future einen ersten neuen Song veröffentlicht, der bisher weder auf einem Album, noch auf einer EP enthalten ist. Dabei zeigt sich Eilish auf My Future zunächst gewohnt dunkel und wirkt nur durch ihre Stimme und eine melancholisch, zurückhaltende Orgelbegleitung. Bis schließlich ein Twist kommt und Eilish in einem poppig, funkigen Beat aufgeht.

Billie Eilish

Billie Eilish

Entstanden ist der Song zu Beginn der Lockdown-Phase in den USA und lässt Eilish zu sich selbst finden. Zusammen mit ihrem Bruder Finneas hat sich Eilish darangesetzt, diese aufkommenden Gefühle einzufangen und sagt in einem Post zur Veröffentlichung des Songs Es ist ein Lied, das für mich wirklich sehr persönlich und besonders ist. Als wir es geschrieben haben, hat es genau meine Stimmung eingefangen – hoffnungsvoll, aufgeregt und voll mit einer verrückten Menge an Selbstreflexion und Selbstwachstum. In letzter Zeit hat es aber auch im Kontext dessen, was jetzt in der Welt passiert, eine neue Bedeutung erhalten. Ich hoffe, Ihr alle könnt in My Future einen Sinn für Euch finden. Diese neue Stimmung fängt ihr Bruder wunderbar ein und erinnert nicht nur musikalisch, sondern auch durch das animierte Musikvideo an die letzte Veröffentlichung No Song Without You des britischen Duos HONNE. My Future ist weniger rebellisch und deutlich gesetzter, als das meiste von dem, was wir bisher von der jungen Musikerin gehört haben und bleibt gleichzeitig auch immer ein typischer Billie Eilish Song.

Moby - My Only Love

Moby – Lässt Bilder sprechen

Mit Like A Motherless Child hatte Moby 2017 einen Hoffnungsträger seines einst so zugänglichen Popsounds aus den 2000ern veröffentlicht. Durch umstrittene Äußerungen rückte der New Yorker Produzent, Sänger und DJ jedoch in der Vergangenheit immer öfter mit Negativschlagzeilen in den Vordergrund. Dabei wurde seine Diskografie über die Jahre immer größer und die Dichte der Releases immer kürzer. Hatte Moby im Zeitraum von 1991 bis 2000 mit Moby (1992), Ambient (1993), Everything Is Wrong (1995), Animal Rights (1996) und Play (1999) fünf Alben hervorgebracht, folgten im Zeitraum von 2001 bis 2010 mit 18 (2002), Hotel (2005), Last Night (2008) und Wait For Me (2009) nur vier Albumveröffentlichungen. Im vergangenen Jahrzehnt – also von 2011 bis 2020 – folgte schließlich ein sagenhafter Output von acht Alben. Im Einzelnen waren das Destroyed (2011), Innocents (2013), Long Ambients 1: Calm. Sleep.These Systems Are Failing (beide 2016), More Fast Songs About The Apocalypse (2017), Everything Was Beautiful, and Nothing Hurt (2018), Long Ambients 2 (2019) und All Visible Objects aus diesem Jahr. Dabei ist Mobys kreatives Schaffen gleichermaßen in drei Phasen – simultan zu den drei Dekaden – einzuordnen. Waren es in den 90er Jahren die härteren Sounds, die zwischen Elektropunk und schnellen Beats changierten, wurden die 2000er – zu denen man getrost das 1999er Erfolgsalbum Play hinzuzählen kann –  durch einen starken Popsound seiner elektronischen Musik geprägt. Hier sind vor allem die großen Hits Why Does My Heart Feel So BadNatural BluesPorcelainWe Are All Made Of StarsLift Me UpNew York New York und Disco Lies entstanden.

Moby

Moby

In den 2010ern hatte sich Moby jedoch immer weiter in sein New Yorker Studio zurückgezogen und fiel durch immer provokativere Sichtweisen seines gelebten Veganismus auf. Mittlerweile sagt Moby selbst, dass es seine Hauptaufgabe ist, für den Schutz der Tierwelt zu kämpfen und danach erst die Musik käme. Dies können wir nun eindrucksvoll in seiner neuesten Songveröffentlichung sehen, die mit einem Musikvideo auftrumpft, welches beeindruckend und beklemmend zugleich ist. Mit My Only Love veröffentlicht Moby nun die dritte Single aus seinem – im Mai veröffentlichten – Album All Visible Objects und orientiert sich musikalisch am Sound des Albums Play. Mit einem entspannten Ambient-Sound und der Moby-Stammsängerin Mindy Jones, möchte uns der von Bryan Ferry geschriebene Song einen Ausblick auf das geben, was uns bevorsteht, sollten wir nicht endlich zur Tat schreiten und uns um die Rettung der Natur und all ihrer Vielfalt kümmern. Passend dazu hat Moby ein Musikvideo veröffentlicht, das ein im Animationsstil gehaltenes Leoparden-Jungtier zeigt, welches vor einem niederbrennenden Regenwald zu flüchten versucht. Moby selbst schreibt auf Youtube unter das Video Das Ziel dieses Videos war es, die Menschen an die anhaltenden Schrecken des Klimanotstands und der Rodung von Wäldern zu erinnern und die Menschen daran zu erinnern, dass die Fleisch- und Milchproduktion die Hauptursachen für diese Rodungen sind. Mit My Only Love zeigt sich Moby verbindend und verknüpft seinen erfolgreichen und populären Musikstil der 2000er mit der – für ihn – größten Aufgabe seines Lebens – dem Schutz der Natur und Tiere.

Bob Moses & ZHU - Desire

Bob Moses & ZHU – Wenn die Sehnsucht zerstörerisch wird

Es sind zwei Acts, die sich nicht besser hätten zusammenfinden können. Zum einen haben wir die beiden US-Amerikaner Jimmy Vallance und Tom Howie aus Brooklyn, New York City – die das Elektro-Duo Bob Moses bilden und mittlerweile von Vancouver in Kanada aus Musik machen. Zum anderen ist es der aus San Francisco kommende House-Produzente ZHU, der mit seinem 2014er Hit Faded nicht nur auf Anhieb in 14 Ländern in die Charts kam und damit mit seiner Debütsingle äußerst erfolgreich war – sondern gleich auch eine Grammy-Nominierung als Best Dance Recording einsammeln konnte. Durch Kollaborationen, wie mit AlunaGeorge, Skrillex, Tame Impala oder Sofi Tukker hielt sich Steven Zhu – wie ZHU bürgerlich heisst – immer wieder in den Clubcharts und konnte von starken Airplays profitieren. Bob Moses hingegen wählten den Weg über die Bühne und erreichten, seit ihrer Gründung 2012 einen Status auf Festivals, den es sich hart zu erspielen gilt. Denn egal, ob auf dem Coachella Festival, dem Lollapalooza Festival, dem Bonnaroo Music Festival oder dem MELT! Festival – wo Bob Moses spielen, wird es vor der Bühne eng.

Bob Moses & ZHU

Bob Moses & ZHU

Nun haben sich die beiden Acts für den Song Desire zusammengetan und dunkle Version des Clubs gezeichnet. Ist Desire durch und durch für den Club produziert und überzeugt mit dumpfen Basslines und dem Gesang von Bob Moses wird er gleichzeitig auch zur dunklen Warnung an den Club. Denn hier wollen Bob Moses und ZHU auf die zerstörerische Kraft aufmerksam machen, die Sehnsüchte mit sich bringen können. Dabei kann getrost auf die vielen Sehnsüchte der Partygänger Bezug genommen werden, sich bei Clubnächten manchmal vielleicht auch zu viele davon erfüllen und schließlich nicht mehr davon loskommen. Bob Moses sagen dazu – mit diesem Track versuchen wir deshalb selbstbewusst zu sein, indem wir auf unsere Sehnsüchte schauen und damit abrechnen. Doch auch ohne Message ist Desire eine satte Clubnummer, die an dunklen Ecken in den Clubs mit dem starken Beat erst richtig zur Geltung kommt. Desire ist dabei die erste Veröffentlichung aus Bob Moses neuem, gleichnamigen Konzeptalbum, welches die Jungs am 28. August veröffentlichen werden.