Amtrac feat. Totally Enormous Extinct Dinosaurs - Radical

Amtrac feat. Totally Enormous Extinct Dinosaurs – Entspannter House-Sound für den Sommer

Seit Wochen schwirrt er durch die Clubradios und Playlists der DJs, die ihre Sets via Livestreams zu uns nach Hause bringen. Und auch wenn wir aktuell immer noch nicht mit Freunden dazu tanzen können, ist der Song Radical eine großartige Möglichkeit, uns auf einer Wiese im Park zu treffen und die warmen Strahlen der Sonne zu genießen – bis sie untergeht. Dabei kommt der Song vom 33-järigen US-Produzenten, DJ und Multiinstrumentalist Caleb Cornett alias Amtrac. Bereits 2011 – nur ein Jahr nach seinem Start im Musikbusiness – veröffentlicht der Produzent mit Came Along sein Debütalbum. Auch auf seinem neusten Album Oddyssey, das im April veröffentlicht wurde begeistert er wieder mit sphärischen Housetracks. Auf Radical holt sich der Musiker den britischen Produzenten und Sänger Totally Enormous Extinct Dinosaurs dazu, der mittlerweile in den USA lebt und von Los Angeles aber auch anderen Orten aus seine Musik veröffentlicht. Beide zusammen legen mit Radical einen wunderbar entspannten Housetrack auf, der sich für die Open Airs dieses Sommers genauso gut eignet, wie für die dunklen Ecken eines Clubs. Dabei legt sich die Stimme TEEDs – wie sich Totally Enormous Extinct Dinosaurs auch gerne selbst abkürzt – passend zum schwelgenden Sound wie ein Bettlaken über die Produktion und verbindet sich mit den Arrangements Amtracs. Gleichzeitig freut sich TEED darüber, mit Amtrac zusammengearbeitet zu haben und Teil seines neuen Albums zu sein. Radical gibt es auch in einer Radio tauglichen 4-Minuten-Version – entfaltet jedoch auf der über sieben minütigen Version erst sein volles Volumen.

Markéta Irglová feat. Emiliana Torrini & Aukai - Quintessence

Markéta Irglová feat. Emiliana Torrini & Aukai – Ein Lied von einer Kurzgeschichte voller Gefühle

Es gibt nicht viele Künstlerinnen und Künstler, die eine Magie ausstrahlen, die alles und jeden mit sich zieht. Markéta Irglová ist so eine Künstlerin. Sie ist nicht nur eine begnadete Pianistin, sondern besitzt auch eine Aura, die von Unabhängigkeit, Sanftmütigkeit und Reinheit geprägt ist. Von Glen Hansard – dem irischen Frontsänger von The Frames – 2001 in Tschechien entdeckt, baute er die damals 13-jährige Musikerin immer weiter auf und nahm sie mit nach Irland. Als Irglová 18 Jahre alt war, veröffentlichten sie zusammen mit Hansard unter dem Bandnamen The Swell Season das gleichnamige Debütalbum. Nur ein Jahr später folgte mit dem Film Once ein packendes Drama darüber, wie die beiden Musizierenden sich versuchen über Wasser zu halten. Diese Zusammenarbeit mündete schließlich in eine Oscar-Prämierung für den besten Titelsong eines Films. Es folgte mit Strict Joy 2009 noch eine weitere Veröffentlichung unter dem Bandnamen The Swell Seasons, ehe Irglová 2011 nach New York zog und nur ein Jahr später nach Island. Seit ihrer Entdeckung durch Hansard hat die Musikerin – die man durchaus als Autodidaktin bezeichnen kann – viel gelernt. Neben den Sprachen Englisch und Isländisch – die sie jeweils fließend beherrscht – kam auch das Spielen unterschiedlichster Instrumente hinzu. In Island angekommen, ist sie mittlerweile verheiratet, hat drei Kinder und macht weiterhin Musik, die sich an Künstlern, wie Sigur Rós und Emiliana Torrini orientiert.

Mit Letzterer hat Irglová nun einen gemeinsamen Song aufgenommen der sich mit einem mächtigen Gefühl von Hilflosigkeit und Besinnung zu unserer Natur beschäftigt. Torrini ist bereits vor einigen Jahren eine gute Freundin Irglovás geworden und besitzt eine ganz ähnliche Magie, wie Irglová. Mit ihrer sanften Stimme, dem organischen Sound in ihrer Musik und dem unglaublich warmen Gefühl ihrer Lieder, war für Irglová klar, dass nur Torrini als Hauptstimme des Songs Quintessence in Frage kommen kann. Hier begleitet Irglová die isländische Sängerin ausschließlich im Chorus und möchte damit ein Gefühl von Verbündung in den Song bringen. Markus Sieber – der als Aukai für eine Ambient-Soundstimmung steht und bereits mehrfach als Fusion aus Gustavo Santaollala und Ludovica Einaudi betitelt wurde – steuert schließlich die Atmosphäre bei. Herausgekommen ist ein fast zehnminütiger Song, der sich mit einer leisen Gewalt in unser Herz arbeitet. Durch ihn können wir heraushören, was Irglová in den vergangenen Monaten – als die Menschheit durch die größte Gesundheitskrise der Neuzeit gegangen ist – durch den Kopf ging. Von Angst und Panik, bis hin zu Erinnerungen an ihre Kindheit – bei der sie sich vor der Pandemie das letzte Mal so ruhig und machtlos gefühlt hat – lässt uns die Sängerin an einem Stück Musik teilhaben, welches weitaus mehr ist, als nur ein Lied. Irglová schafft es tiefe Gefühle zu wecken, gibt ihnen einen Raum sich zu entfalten, ehe sie gleichermaßen angemessen den Rückzug antritt. Quintessence ist eine Kurzgeschichte unseres eigenen Gefühls und zeigt eindrucksvoll, warum von Irglová und Torrini so eine Magie ausgeht.

Melanie C - Blame It On Me

Melanie C – Zurück zur EDM-Stärke

Es ist eine Musikkarriere die so besonders, wie einzigartig ist – Melanie C ist in ihrem 26. Jahr als Musikerin. Begonnen 1994 als Teil der Spice Girls und damit der erfolgreichsten Girlgroup der Welt, hat Melanie Chisholm zusammen mit Victoria Beckham, Emma Bunton, Geri Halliwell und Melanie Brown innerhalb von nur 4 Jahren ihrer Kernzeit als Band über 85 Millionen Tonträger verkauft. Als es schließlich 2000 zur Auflösung der Band kam, hatte Chisholm bereits mit der Zusammenarbeit auf Bryan Adams‘ Single When You’re Gone den Weg für eine Solokarriere geebnet. Was folgte, waren Singles, wie Never Be The Same Again (mit Lisa ‚Left Eye‘ Lopes), I Turn To You oder First Day Of My Life. Mittlerweile hat Melanie C sieben Alben veröffentlicht und über 20 Millionen Tonträger als Solokünstlerin verkauft, konnte jedoch zuletzt nicht mehr an den Erfolg ihrer ersten Alben anknüpfen. Mit ihrer neuen Single Blame It On Me begibt sich die Sängerin nun allerdings zurück zu ihrer Anfangsphase und stößt mit einem modernen Elektrobeat Erinnerungen an I Turn To You wach. Auch oder gerade wegen des dazugehörigen Musikvideo, wird klar, dass die Britin auf frühere Zeiten anspielt. Denn hier sehen wir eine Mitarbeiterin an einem Bürotisch sitzen und auf einem Apple iMac der Generation 4 aus dem Jahr 2002 – der sogenannten Tischlampe – ein Spiel spielen, das stark an die berühmte Videospielreihe Mortal Kombat aus den 90er Jahre erinnert. Einer der Charaktere ist Melanie C, die ihren Gegner besiegt. Blame It On Me bildet dabei die Fortsetzung ihrer, im März veröffentlichten Leadsingle Who I Am, die Melanie C als wichtigen Baustein ihrer musikalischen Laufbahn sieht. Denn hier zeigt sie einen Einblick in die vergangenen Jahre oder sogar Jahrzehnte und den damit verbundenen Entscheidungen. Mal sind sie zu Gunsten der Sängerin, mal dagegen entschieden und bedeuteten immer auch einschneidende Veränderungen. Diese kann man auch in Chisholms Diskografie sehr gut erkennen. Auf Blame It On Me singt die Britin darüber, dass ihre Liebe zur Dancemusik auch immer etwas Toxisches beinhaltet und somit zu gleichermaßen gefährlich, als auch förderlich sein kann. Mit Blame It On Me ist Melanie C im großartigen EDM-Popzirkus zurück und spielt sich damit hoffentlich wieder in die vordersten Reihen – das Potential hat ihre neue Single auf alle Fälle.

San Cisco - On The Line

San Cisco – Mit frischer Musik dem Lockdown ade sagen

Die australische Band San Cisco ist äußerst umtriebig. Scheint es doch, als würde die Band ununterbrochen neue Musik veröffentlichen. Doch, auch wenn seit ihrem Debütalbum San Cisco (2012) mit Gracetown (2015) und The Water (2017) erst zwei weitere Alben folgten, hat die – mittlerweile zum Trio zusammengeschrumpfte – Band auch durch ihre EPs Golden Revolver (2011), Awkward (2012) und Flaws (2020) für einen ständigen Output gesorgt. Dabei zeigen die Singles aus den Alben von Gracetown (Run), The Water (SloMo) und der letzten EP Flaws (Reasons) die volle Bandbreite der Band. Ob mit Indie-Beats voller Synthies oder treibenden Folksongs – San Cisco sorgen dafür, dass wir mitsingen und -tanzen können. Nun haben Scarlett Stevens (Schlagzeug), Joshua Biondilla (Gitarre) und Leadsinger Jordi Davieson mit On The Line die erste Single des kommenden, vierten Studioalbums veröffentlicht. Dabei zeigt sich einmal mehr, wie sich das Trio förmlich die Gesangsparts untereinander aufteilt und dadurch eine fast schon lockere Konversation entstehen lässt. Gleichzeitig besingen San Cisco auf On The Line die Tücken einer Liebe und den daraus entstehenden Aufs und Abs. So sagt Davieson über die neue Single: Wo ziehst Du die Grenzen? Wann ziehst Du den Stecker? Woher weisst Du, ob es den Aufwand wert ist? Hebst Du die Scherben auf und fängst was Neues an? Oder hältst Du durch für eine weitere Runde Romantik? Das Spiel der Liebe ist nie leicht zu spielen. Dabei könnte der Sound nicht weiter weg vom Songtext sein. Mit Sätzen, wie too broken too fix. But you don’t wanna give up on this … Could you love me. One more time? und dem lockeren, frischen Sound haben sich San Cisco ein regelrechtes Markenzeichen geschaffen – ist doch der Großteil ihrer Songs so aufgebaut. Mit lockeren Gitarren, den lässigen Gesangsparts der Drei und dem unglaublich eingängigen Refrain bohren sich die Australier in den Kopf und drehen dabei lustig ihre Runden, bis wir dem Song gänzlich verfallen sind. In ihrem dazugehörigen Musikvideo trafen die Drei das erste Mal, nach Monaten des Brot backens oder endlosen daddelns – und dem von der Pandemie bedingten Social Distancing – wieder aufeinander und waren sichtlich erfreut, wieder zusammen zu musizieren. On The Line ist der perfekte Song, um sich das erste Mal wieder mit Freunden – wie im Video zu sehen mit 1,50 Meter Abstand – zu treffen und gemeinsam den Frühling und Sommer zu genießen. Hat die Band eine baldige Veröffentlichung des neuen Albums angekündigt, sollen sich auch alle vier Songs der – im Frühjahr veröffentlichten – EP Flaws auf dem neuen Album wiederfinden.

Henry Green © Hattie Ellis

Henry Green – Durch Schreibblockade zum zweiten Album

Es ist eine Reise über Felder, durch Großstädte bei Nacht oder über Straßen entlang der Küste bei einem Sonnenuntergang – den der Brite Henry Green mit seinem neuen Album präsentiert. Dabei hat ihn vor allem eine Schreibblockade zu diesem Album kommen lassen. Denn Anfang 2019 zog es den Musiker aus der 460.000 Einwohner großen Stadt Bristol in den 5.400 Seelen fassenden Ort Malmesbury – knapp 45 Kilometer vor Bristol – um dort an seiner Musik zu arbeiten. Anfangs war es genau dieser Schritt, der Green in die Schreibblockade führte – nur mit sich selbst im Zwiespalt ist es schwierig, zwei unterschiedliche Standpunkte bei der Produktion meiner Musik miteinander abzuwägen. So entstand bei mir im Kopf ein konstanter Kampf um die Musik sagt der Musiker über diesem Moment. Dabei hat er mit seinen beiden EPs Slow (2015) und Real (2017) und seinem Debütalbum Shift (2018) alle auf seiner Seite und kann auf knapp 100 Millionen Abrufe auf den Streamingplattformen verweisen. Genau diese Realität, die sich durch die Streams – von Menschen, die tatsächlich seine Musik hören – zeigte, half dem Briten dabei, sich auf seine Musik zu fokussieren und dabei mit der Überschrift Half Light ein Thema für das zweite Album zu finden. Dabei orientiert sich der Musiker, der bereits als Support von London Grammar und Nick Mulvey auftrat, an Musikern, wie Bonobo, Christian Löffler und RY X – allesamt dafür bekannt, Musik mit Elementen aus Elektro oder Singer/Songwriting zu benutzen, um eine ganz besondere Atmosphäre zu erzeugen. Mit seiner aktuellen Single All baut er einen Übergang vom Tag in die Nacht und nimmt sich der Idee an, seinen eigenen Lernprozess während dieser Albumproduktion darzustellen. Diesen Übergang kann man auf den etwas mehr als 4 minütigen Song wunderbar hören – beginnt All doch mit einem fragilen und intimen Gesang, der von warmen Synthies begleitet wird, eher sich der Beat im Verlauf des Songs immer deutlicher in Richtung eines Housetracks entwickelt, der an The XX erinnert. Henry Greens zweites Album Half Light wird am 3. Juli veröffentlicht und zeigt die verschiedenen Facetten des Zusammenspiels von elektronische Musik und intimen Singer/Songwriting.

Myd - Together We Stand

Myd – Schräg, weird, bizarre

Es sind drei Worte, die den französischen Produzenten Myd – alias Quentin Lepoutre – in verschiedenen Sprachen wohl am besten beschreiben. Denn ob auf Deutsch, Englisch oder Französisch – alle drei Worte drücken den gleichen Eindruck aus, den man bekommt, wenn man sich zum ersten Mal das Musikvideo seines neuen Songs We Stand Together anguckt. Dabei ist Myd bereits seit einigen Jahren bekannt dafür, mit Schnauzer, 80er-Jahre-Pornobrille und verrückten Auftritten zu brillieren. Vor 10 Jahren als Teil der französischen Band Club Cheval ins Rampenlicht gerückt, veröffentlichten sie ihr Debütalbum Discipline 2016 auf dem Bromance Records Label. Als dieses schließlich aufgelöst wurde, machte sich Myd mit Remixen und als Produzent einen immer größeren Namen und produzierte unter anderem für Theophilus London, Brodinski und Slim Thug. Remixe steuerte er zu Songs von Yelle und Two Door Cinema Club bei. Während all dieser Jobs schaffte es der Musiker zusätzlich, in den 2010er Jahren satte fünf EPs zu veröffentlichen. Nun ist es an der Zeit für ein Debütalbum, welches Myd auch gleich mit der neuen Single Together We Stand ankündigt. Dabei passt der Titel nur zufällig zu der aktuellen Zeit – ist er doch deutlich vor der Pandemie entstanden. Mit Together We Stand veröffentlicht Myd einen French House Track, der nicht besser zum Ed Banger Label passen könnte. Denn unter diesem Label befinden sich neben Myd auch die Größen, wie Justice, Cassius, Mr. Oizo, Riton und bis zu seinem Ableben auch DJ Mehdi. Dazwischen sieht Myd wie der nerdige Praktikant unter den Stars aus – macht aber mit seiner Musik so viel Dampf, dass man nicht anders kann, als dazu zu tanzen. Nicht ohne ein verschmitztes Lächeln beschreibt Myd We Stand Together dann auch als den Track, zu dem alle auf der Tanzfläche tanzen und überhaupt, Mädchen sind wunderschön. Doch da er das Gefühl hatte, dies nicht so plakativ sagen zu können, ohne damit äußerst plump rüberzukommen, hat er sich die Metapher ausgesucht, eine Gesellschaft zu beschreiben. We Stand Together zeigt, wie dies zu verstehen ist und begeistert mit einem satten, sommerlichen Housebeat, der von einem amüsanten Musikvideo begleitet wird und an großartige Künstler, wie Dirty Vegas, Modjo oder Dax Riders erinnert.

Freyr - I'm Sorry (EP)

Freyr – Deine Geschichten in seiner Musik

Es beginnt mit einem simplen Hi, wenn man auf auf die Seite des isländisch/schwedischen Sängers Freyr Flodgren geht. Ein Hi und einem tiefen, sympathischen Gesicht mit stahlblauen Augen. Unter diesem Hi fängt Flodgren an, seine Geschichte zu erzählen. Eine Geschichte, die sich von seinem sechsten Lebensjahr an mit Musik beschäftigt. Vom Erlernen des ersten Musikinstrumentes – einer Flöte, über den Besuch der Umeå Music Classes, die als Schulform den normalen Schulbetrieb plus einem ausgeprägten musikalischen Gewicht besitzt. Hier lernen die Schülern vom Songwriting über das Spielen von Instrumenten, bis hin zum Vernetzung mit anderen Musikern alles, um sich kreativ komplett ausleben zu können. Flodgren lebte, bis zu seinem 16. Geburtstag, mit seinen Eltern in Umeå – einer Stadt im Norden Schwedens, in der es im Sommer nur dreieinhalb Stunden der Dämmerung verfällt und im Winter nur viereinhalb Stunden Sonnenlicht gibt.

Als sich seine Eltern entschieden, nach London zu ziehen, blieb Flodgren. Die Eltern vermieteten ihr Haus an ihren Sohn und weitere Studenten, aus dem schließlich ein Kollektiv entstand. Im Kopf einen Schritt weiterzugehen und das Elternhaus – mit all seinen Erinnerungen – nun mit anderen, jungen Menschen zu teilen, bedeutet auch viele der ganz persönlichen Erinnerungen mit Neuen vermischen zu sehen. Oftmals geht damit eine melancholisch, motivierende Stimmung einher, die sich nun in Flodgrens Debüt-EP I’m Sorry wiederfindet. So beschreibt Flodgren seine sanfte, warme und melancholische Musik mit den Worten Ich habe eine Leidenschaft für Musik die atmet – die unabhängig vom Genre ist – und bevorzuge akustische Musik, die von erfahrenen Musikern auf echten Instrumenten gespielt wird. Ich mag es, wenn meine Musik den Hörer nachhaltig beeinflusst und nicht nur ein Ohrwurm ist. Entweder indem man ein Gefühl für die Harmonien hervorruft, eine Atmosphäre mit den Texten schafft oder versucht, dem Publikum eine Reflexion über die Dinge zu vermitteln, die im Leben wichtig sind. Ich schreibe Musik für andere. Über seine Debüt-EP sagte er noch Musik soll einfach, unterhaltsam und zugänglich sein. Es geht nicht darum, einen Charakter zu spielen. Es geht darum, einfach nur man selbst zu sein und sich über seine Gefühle bewusst zu werden. Das versuche ich zu tun. Das gelingt dem Musiker so wunderbar, dass mit den ersten Harmonien der EP ein Gefühl, von Intimität, Gefühl und Wärme aufkommt, die einem sofort in eine Art sicheren Raum einschließt, aus dem Emotionen ungeniert erwachen können.

Es sind die verschiedenen Instrumente – im Zusammenspiel mit Flodgrens Stimme (die an Künstler, wie José González oder Ben Howard erinnert) – die den einzelnen Songs Over My HeadI’m SorryNeighbour Boy, Ride The Stream und I’m Here diese ganz besondere Stimmung verleihen. Irgendwo zwischen einer verletzten Seele – die selbst schon das dunkelste Licht gesehen hat – bis zu einem friedlich, harmonischen Lagerfeuer Moment, besitzt die EP eine großartige Weite an Emotionen und erzeugt ganz von selbst Geschichten, die unser ganz persönliches Leben bereits geschrieben hat und wir nun daraus erzählen können. Zurück auf Freyr Flodgrens Homepage – der seine Musik einfach unter dem Namen Freyr veröffentlicht – schauen uns diese blauen Augen und das warme Gesicht eindringlich an und bedeuten mit einem simplen Hi so viel mehr, als nur das Oberflächliche. Freyr macht Musik, die berührt und beruhigt und eine enorme Wärme schafft. Seine Debüt-EP I’m Sorry erscheint am 3. Juli.

Caro Emerald - Wake Up Romeo

Caro Emerald – Die niederländische Swing-Sängerin ist zurück

Zehn Jahre ist es her, das die niederländische Sängerin Caroline Esmeralda van der Leeuw unter dem Namen Caro Emerald mit ihrem Debütalbum Deleted Scenes from the Cutting Room Floor durch die Decke ging. Jeder – wirklich Jeder – tanzte zu den Hits Back It UpA Night Like This und That Man. Überraschend verkaufte sich das Debütalbum im Anschluss mehr als 2 Million mal und erreichte die Sängerin in Großbritannien, Deutschland und Polen die Top-5 der Albumcharts. In ihrem Heimatland schaffte sie es sogar auf Platz 1 und hielt sich satte 176 Wochen in den Charts. Damit wurde ihr Album zu dem am längsten in den Albumcharts vertretene Album und löste Michael Jacksons Album Thriller ab. Es war der große Durchbruch des Electroswings. Am Mittwoch konntet Ihr bereits mit der neuen Single Brass Devil von Parov Stelar wieder einen großartigen Hit dieses Genres genießen – nun ist Emerald mit einem neuen Album zurück und versucht an die Erfolge des Debütalbums anzuschließen. Dabei zeigt sich Emerald auf ihrer neuen Single Wake Up Romeo wieder in Bestform und löst eine spontane Liebe in eine Beziehung um. Ob das der Auserwählte ebenfalls so möchte, bleibt dabei offen. Emerald hatte den Song während der Lockdown-Phase geschrieben, in der sie feststellte, dass sie endlos viel Zeit hatte, um an neuer Musik zu arbeiten. Nach ihrem Debütalbum 2010, dem Nachfolger The Shocking Miss Emerald (2013) und dem Livealbum MO x Caro Emerald By Grandmono (2017) – das sie zusammen mit dem Metropole Orkest eingespielt hat – folgte mit der EP Emerald Island (2017) die letzte Veröffentlichung – bis heute. Somit ist Wake Up Romeo die erste Veröffentlichung, neuer Musik, seit drei Jahren und lässt Emerald dort ansetzen, wo sie mit ihrem 2013er Album aufhörte. Dabei steht bisher noch nicht fest, ob der Song ein erster Vorgeschmack auf ein kommendes, neues Album sein wird oder auf einer weiteren EP erscheint. Mit Wake Up Romeo zeigt uns sie Sängerin, wie sehr wir den wunderbaren Electroswing der Niederländerin vermisst haben.

Honne - No Song Without You

Honne – Mit ganz viel Wärme wieder da

Honne und SOML verbindet eine kleine Tradition. Bereits vor fünf Jahren, als die Band ihre dritte EP Coastal Love veröffentlichte, supportete SOML die zwei Briten aus East London und verliebte sich sofort in die Musik. Dabei hatten Andy Clutterbuck und James Hatcher einen so wunderschön, warmen Sound kreiert und klangen gänzlich unaufgeregt nach warmen Sommernächten und einem Großstadtfeeling, dass durch leere Straßen und weite Blicke geprägt war. Seitdem sind mit Warm On A Cold Night (2016) und Love Me / Love Me Not (2018) zwei Alben veröffentlicht worden, die uns wunderschöne Songs, wie Coastal Love3amSomeone That Loves You (mit Izzy Bizu), Good TogetherJust Dance oder Day 1 bescherten. Nun haben Honne – nach fast zwei Jahren ohne neue Musik zu veröffentlichen – mit No Song Without You eine erste neue Single vorgestellt und lassen uns abermals erkennen, dass nach dem zweiten Album Love Me / Love Me Not auch auf ihrer neuen Single No Song Without You eine Weiterentwicklung des Duos stattgefunden hat, welches sich dieses Mal mit einem warmen Zusammenspiel von Gitarre und Schlagzeug zu einem verträumten Sing-a-long Sound treiben lassen hat. Produziert wurde der Song bei einem Aufenthalt des Duos im Januar dieses Jahres in Los Angeles, bei dem Honne auf den Produzenten Pomo trafen, der unter anderem für Mac Miller und Anderson Paak im Rap-Bereich tätig ist. Das dazugehörige Musikvideo, wurde von der Grafikerin und Illustratorin Holly Warburton produziert und erzählt eine kleine, warme Geschichte über ein grünes Wesen, dass sich – durch die Straßen einer Großstadt laufend – alleine fühlt und schließlich durch einen Lichtschein neuen Mut findet. Honne selbst sagen über ihre neue Musik, dass sie sich nicht auf ihren Lorbeeren ausruhen wollen und den großen Drang verspüren, sich selbst immer wieder neu herauszufordern und mit ihrer Musik zu experimentieren. Auf dem Song No Song Without You kann man dieses Experimentieren gut herauszuhören und gleichzeitig ist trotzdem auch der typische Honne-Vibe zu erkennen. Einmal mehr zeigen uns Honne, dass gute, satte und warm klingende Musik keine Aufgeregtheit benötigt, um uns alle sofort begeistern zu können.

Sofi Tukker x Gorgon City - House Arrest

SOFI TUKKER & Gorgon City – Clubbing unter House Arrest

Es ist ein schiefer Vergleich – doch kommen die beiden New Yorker von SOFI TUKKER mit ihren Songs Best Friend und Mi Rumba auf bisher zwei Posts bei SOML, haben es satte acht Songs des britischen Duos Gorgon City auf SOML geschafft. Dabei eint beide Acts, die treibenden und nach vorne gehenden Dance- und Housebeats. Nun haben SOFI TUKKER zusammen mit Gorgon City einen Song veröffentlicht, dessen Zeitpunkt nicht besser hätte gewählt werden können. Dabei muss gesagt werden, dass ein solcher Zufall fast noch nicht einmal auszudenken ist. Denn heisst ihre neue Single House Arrest, wird sie zu einem Zeitpunkt veröffentlicht, an dem sich die ganze Welt durch die Pandemie tatsächlich im Hausarrest befindet. Dabei hat die Geschichte des Songs im Sommer 2019 begonnen und setzt sich damit auseinander, dass sich SOFI-TUKKER-Sängerin Sophie Hawley-Weld im Sommer 2019 bei einem Liveauftritt auf dem Groovin The Moo Festival das Bein gebrochen hatte. So musste das Duo die Australientour vorzeitig abbrechen und zurück nach New York fliegen, wo Hawley-Weld sich zur Heilung in einen Hausarrest begeben musste. Während Gorgon City und SOFI TUKKER über den Winter via Internet an dem Song arbeiteten, konnte noch keiner ahnen, was der Welt wenige Wochen später bevorstehen würde. Mit House Arrest haben SOFI TUKKER und Gorgon City einen dunklen Housetrack veröffentlicht, der sich an den eskapistischsten Clubnächten orientiert, die man haben kann. Mit tiefen Beats und einem hypnotisierenden Refrain Sophie Hawley-Welds haben SOFI TUKKER und Gorgon City einen satten Clubhit veröffentlicht und kommentieren den Song damit, dass, nur weil wir unter Hausarrest stehen, es nicht heißt, dass wir in unseren Gedanken nicht im Club sein können. Dazu passend gibt uns House Arrest eine klare Vorstellung dessen, wie wir uns im Club dazu bewegen würden und macht sich gleichermaßen auf, ein satter Ohrwurm zu werden. Nach den EPs Soft Animals (2016) und Dancing On The People (2019) haben SOFI TUKKER mit ihrem Debütalbum Treehouse (2018) einen ersten Einstieg in die Billboard Albumcharts geschafft. Ob House Arrest ein erster Vorbote eines neuen Albums sein wird, kann noch nicht gesagt werden. Allerdings würde er einen perfekten Opener geben.